contiemposraros

2012-01-12T09:21:00.000-08:00

2011-10-31T10:43:00.000-07:00

2011-10-29T12:37:00.000-07:00

2011-10-26T15:37:00.001-07:00

Web trabajos fotográficos profesionales

2011-06-15T10:11:00.000-07:00

Web trabajos profesionales

www.umpierrezdelrio.com

Thierry Fontaine

2011-06-15T10:05:00.000-07:00

Interesante artista francés que utiliza un discurso que cabalga entre la fotografía, la escultura y la plástica. Materiales tan primitivos como la arcilla son utilizados para hablar de algo tan complejo como la identidad.

Podemos ver actualmente sus trabajos en el Festival Photoespaña 2011 que se está celebrando estos días en la ciudad de Madrid, dentro de la exposición "El poder de la duda".

http://www.thierry-fontaine.org/

Nueva web provisional

2010-10-22T08:24:00.001-07:00

www.umpierrezdelrio.mye.name

Estudiando Strobit

2010-07-06T10:21:00.000-07:00

Comenzando a estudiar el Strobit. Espero poco a poco ir ampliando material de iluminación, de momento con lo mínimo, se consiguen algunas tomas así.

Precious

2010-06-16T10:22:00.000-07:00

Después de algunas semanas en las que no he escrito nada nuevo en el blog, me he decidido a recomendar y comentar la última película que he visto.

Cruda y real, "Precious" nos introduce en una difícil vivienda de Harlem, en la que somos testigos de la complicada vida de su protagonista, una jovencísima de 16 años de color y obesa que convive con una madre violenta y sedentaria. Lejos de acudir a un recurso fácil de este tipo de dramas, como podría ser una excesiva proyección de un sentimiento de compasión hacia el personaje principal, la película llega a tomar en ocasiones tintes documentales, que enfatiza la crudeza de los hechos, a la vez que se combina con una buena fotografía, resultando así una mezcla del más puro documentalismo con creativos encuadres que nos recuerdan que estamos ante una película.

No soy partidaria de desvelar detalles de un film, quizás porque es algo que no soporto que hagan conmigo, creo que se pierde la magia de lo exclusivo, de lo inmediato y sorprendente (si sucede, claro), así que me limito sin más a recomendarla para los que no la han visto.

Sólo destacar que la interpretación en general del reparto es más que brillante y la gran responsable de la calidad de este film. Y para los hispanohablantes, que la vean en versión original subtitulada, porque el doblaje de la protagonista pierde muchísimo en la versión española.

Curso de rodaje de cine digital

2010-05-10T15:55:00.000-07:00

Hacía casi un año que no salía de mi "caverna" llamada Fuerteventura para ampliar conocimientos con algún cursito, y ya iba siendo hora.

Me encuentro en Gran Canaria desde el pasado Lunes 3 de Mayo motivada esta vez por el lenguaje temporal, el cine, ya que el pasado año el viaje fue promovido por su colega el lenguaje estático, la fotografía. El curso es bastante básico, pero como siempre, me gusta comenzar la casa por los cimientos, y lo cierto es que como introducción al lenguaje fílmico está más que bien, pues el programa consta de clases teóricas (desde los planos, hasta la conformación de los equipos para la realización de un producto cinematográfico, pasando por la realización del guión literario, técnico, etc.) y lo que es más interesante, de el rodaje real de un cortometraje que hemos de elaborar los propios alumnos del curso desde el propio guión.

Lo más aprovechable de esta experiencia bajo mi punto de vista, es observar cómo se organiza un rodaje, con la elaboración del guión técnico, las hojas de desglose de las necesidades, la hoja técnica de cámara con la entrada y salida de claqueta de cada plano, los equipos que conforman la realización de un rodaje, y todo lo que hay que tener en cuenta a la hora de abordar y llevar a cabo una pieza de este tipo.

Lo que sí es cierto, es que una vez que se adquieren unos conocimientos básicos del lenguaje fílmico, ya no se vuelven a ver las películas como antes. Ahora cada película que veo la desgrano en planos (si es una panorámica, un travelling, qué ángulo de visión es, las transiciones, las duraciones de cada plano o secuencia, pues todo tiene una intención).

Sabiendo las actividades que cada equipo ocupa en un rodaje, dirección de fotografía y montaje es lo más atractivo para mi gusto, ellos deciden el color, el encuadre, la iluminación y el montaje final de la película (por supuesto bajo la tutela del director), aunque también debe de ser porque me considero muy visual a la hora de crear, y más viniendo de una carrera como es Bellas Artes, aún sabiendo que sin un buen guión no importa lo trabajada que esté la obra estéticamente.

Sobre todo he derrumbado algunos convencionalismos, como que el verdadero "director" de una película es el productor ejecutivo, que limitará muchas veces al director por el presupuesto, siendo el productor ejecutivo el que decida incluso si se cancela un rodaje. Realmente el llamado director de una película se centra básicamente en que la interpretación de los actores sea la adecuada, y por supuesto se encargará de la búsqueda de localizaciones, elaboración de planos, etc, pero siempre acompañado del director de fotografía, que le sugerirá los encuadres e incluso limitará algunos planos que en un principio el director quería rodar pero que no es posible debido a cualquier asunto técnico relacionado con la fotografía, la cámara, la iluminación, etc.

Hoy hemos realizado el guión técnico, que me parece muy entretenido, pues ahí se deciden a partir del guión literario cómo serán los planos que conformaran cada secuencia (dónde irá la cámara, en qué ángulo, que tipo de plano, etc).

En definitiva, ahora entiendo mejor por qué la realización de una película (o cortometraje) es labor de todo un equipo, y muy dificilmente de una sola persona (si se quiere hacer bien, claro).

El Jueves comenzaremos a rodar, así que ya comentaré que tal la experiencia.

Nueva 50mm

2010-04-26T08:10:00.001-07:00

Tras un tiempo que no dedico a este blog la atención que se merece (por falta de tiempo), hoy me apetece comentar una nueva lente que he adquirido y que me tiene bastante satisfecha con los resultados. Se trata de una focal fija de 50 mm (que se traduce a 75 mm en el sensor de mi cámara) con una luminosidad de 1.8 (considerable para el objetivo zoom que estaba utilizando anteriormente de 4.5).
Ya se sabe que si se tiene una buena máquina (en mi caso la Nikon D200), pero no disponemos de una buena lente, desaprovechamos la calidad que nos ofrece el sensor, y viceversa, pero la diferencia en cuanto a nitidez y luminosidad no la esperaba tan abismal entre una lente fija y una zoom. Desde que llegó a mis manos me dispuse a probarla llevándome a mi hermano Juanfra a Playa Blanca, aprovechando las luces del atardecer y sin parar de ampliar las imágenes en el LCD de la cámara sorprendiéndome con el nivel de detalles que registraba.
Mañana me llegará (por fin) el equipo Imac para empezar a trabajar con un poco más de calidad y recursos, y echaré mano a las fotografías que he ido realizando con esta lente. Ya mostraré algunas por el blog, hasta en entonces a seguir probando!!

Un carácter estelar

2010-02-11T17:25:00.000-08:00

Respecto a una entrada anterior que publiqué hace unos días he encontrado una imagen curiosa en un portal de noticias. La entrada a la que me refiero es una en la que hablaba sobre un proyecto sobre la muerte, memoria y desintegración en la que exponía una imagen de un boceto audiovisual que había realizado, en la que a través de la grabación de una grabación de forma continua el sonido y la imagen registrado en el archivo original se iba degradando y distorsionando hasta conseguir un "carácter estelar".
Pues hoy encuentro una noticia en la que hablan de cómo el telescopio espacial Hubble ha captado luces polares en el planeta Saturno, y se preguntarán qué tiene que ver esa noticia con mi post. Sencillamente la imagen captada por el telescopio me recordó rapidamente a las imágenes que obtuve con el experimento. Ese color azulado y esa banda negra...y recordé al instante la palabra que había utilizado en aquel post... "un carácter estelar". La primera imagen corresponde a la imagen captada por el telescopio, la segunda corresponde a la imgen que publiqué hace unos dias. Curioso!

Nice day

2010-02-05T21:34:00.001-08:00

Aprovechando la bonita luz de la tarde del Viernes nos vamos a Playa Blanca a probar unos nuevos aparatitos para sincronizar la cámara y los flashes. Aprovechamos hasta los últimos rayos de sol y la iluminación se portó estupendamente. Aquí un ejemplo de una toma que me hizo Antonio y otra que le hice a Jose ya de noche probando en mi cámara su lente de 50 mm.
A ver si hacemos la próxima "excursión" en breve!

Psicosis (Psycho), make the remake

2010-02-05T07:15:00.000-08:00

El Aula de Cine que se está organizando en el centro bibliotecario insular, ofrece una nueva programación a la que han llamado Make the Remake, en la que cada Jueves y hasta el 4 de Marzo, se proyectarán películas originales junto con sus remakes.

La primera proyección comenzó anoche con la película Psicosis de Alfred Hitchcock y el remake con mismo título dirigido por Gus Van Sant.
La versión clásica del film de Hitchcock ya la había visto muchas veces, además de tenerla entre mi videoteca, pero la versión realizada en 1998 por Gus Van Sant no había tenido oportunidad de verla. La cosa es que esta versión "moderna" es una copia literal plano a plano de de la primera, con decorados casi idénticos y misma banda sonora. La versión de Gus Van Sant es buena si no fuera porque copia descaradamente a la original, en la que da la sensación de estar viendo la misma película sólo que en color y con actores diferentes. En algunos foros se critica de manera directa el hecho de que Gus Van Sant no haya realizado una versión (es decir, una misma historia contada desde otra perspectiva), sino una copia literal en todos los sentidos de la mítica película del maestro Hitchcock.
Yo me quedo con la primera versión, que nunca pasará de moda por su original planteamiento visual y la brillantez de Anthony Perkins reencarnando al psicótico Norman Bates.

Catherine Breillat

2010-02-01T18:04:00.000-08:00

La preocupación central del trabajo de Catherine Breillat es la sexualidad de la mujer, esto no conlleva en sí mismo mayor mérito, ¿Cuántos directores de sexo masculino, por contraste están de alguna forma preocupados por el tema de lo femenino? Por supuesto la preocupación acerca de la sexualidad de la mujer en la mayoría de las producciones cinematográficas están marcadas más por el exhibicionismo que por la introspección, reafirmando más que inquietando. Incluso en un Film como el de Brian de Palma Femme Fatale (2002), cualquier esfuerzo por analizar la imagen de la figura de la mujer a través de una lectura feminista se ve atenuada al exponer el cuerpo femenino prolongadamente. En este caso, “La Femme Fatale” más que ser la causa de la ruina del héroe “noir” es la fuente de placer visual, aunque la filmografía de Breillat pisa la fina línea entre el exhibicionismo y la instropección, ella admite que tratan, después de todo, el tema sexual, aunque lo hacen bajo la guía de una radical diferencia en la concepción. En palabras de Breillat “yo tomo la sexualidad como sujeto y no como objeto”.

Resto del texto en: http://lafuga.cl/sobre-el-cine-de-catherine-breillat/285

Sobre guardar silencio y hablar

2010-02-01T16:37:00.000-08:00

Extractos del libro "Ni lobo ni perro. Por senderos olvidados con un anciano indio" de kent Nerburn.

Nosotros los indios sabemos del silencio. No le tenemos miedo. De hecho, para nosotros es más poderoso que las palabras.

Nuestros ancianos fueron educados en las maneras del silencio, y ellos nos transmitieron ese conocimiento a nosotros. Observa, escucha, y luego actúa, nos decían. Ésa es la manera de vivir.

Observa a los animales para ver cómo cuidan a sus crías. Observa a los ancianos para ver cómo se comportan. Observa al hombre blanco para ver qué quiere. Siempre observa primero, con corazón y mente quietos, y entonces aprenderás. Cuando hayas observado lo suficiente, entonces podrás actuar.

Con ustedes es lo contrario. Ustedes aprenden hablando. Premian a los niños que hablan más en la escuela. En sus fiestas todos tratan de hablar. En el trabajo siempre están teniendo reuniones en las que todos interrupen a todos, y todos hablan cinco, diez o cien veces. Y le llaman "resolver un problema". Cuando están en una habitación y hay silencio, se ponen nerviosos. Tienen que llenar el espacio con sonidos. Así que hablan impulsivamente, incluso antes de saber lo que van a decir.

A la gente blanca le gusta discutir. Ni siquiera permiten que el otro termine una frase. Siempre interrumpen. Para los indios esto es muy irrespetuoso e incluso estúpido. Si tú comienzas a hablar, yo no voy a interrumpirte. Te escucharé. Quizás deje de escucharte si no me gusta lo que estás diciendo. Pero no voy a interrumpirte. Cuando termines, tomaré mi decisión sobre lo que dijiste, pero no te diré si no estoy de acuerdo, a menos que sea importante. De lo contrario, simplemente me quedaré callado y me alejaré. Me has dicho lo que necesito saber. No hay nada más que decir. Pero eso no es suficiente para la mayoría de la gente blanca.

La gente debería pensar en sus palabras como si fuesen semillas. Deberían plnatarlas, y luego permitirles crecer en silencio. Nuestros ancianos nos enseñaron que la tierra siempre nos está hablando, pero que debemos guardar silencio para escucharla.

Existen muchas voces además de las nuestras. Muchas voces.

Stories about her

2010-01-29T20:50:00.000-08:00

Fotografías planteadas a modo de still cinematográfico:

Stories about her

Stories about him

2010-01-29T20:44:00.001-08:00

Fotografías planteadas a la manera de still cinematográfico:

Stories about him

Sutilezas audiovisuales

2010-01-27T08:30:00.000-08:00

Es bien sabido que las cámaras réflex actuales están entrando fuerte con esto del vídeo HD.
La posibilidad de poder contar con una gran calidad de imagen a un precio muy asequible (menos de 2000 euros), la flexibilidad que ofrecen debido a la posibilidad de intercambiar lentes, consiguiendo así fuertes contrastes de profundidad de campo (algo que me entusiasma) y sumando la portabilidad de estos aparatos, hacen de las réflex una buena elección para todos aquellos que a parte de querer una cámara fotográfica profesional, quieran una cámara de vídeo asequible de una calidad más que decente. (Desgraciadamente mi D200 a pesar de ser una excelente cámara fotográfica no cuenta con grabación de vídeo, cosa que si tiene su hermana mayor la D300).

He encontrado un blog sobre grabación con cámaras réflex, en el que sobre todo se habla de las Canon 5D, pero parece que poco a poco van ampliando hacia otras marcas de réflex que graban vídeo HD.
Los usuarios cuelgan vídeos en la página como demostración de la calidad de grabación de estas cámaras, y hay bastantes piezas interesantes, en las que se juega, evidentemente debido a la posibilidad que brindan estos equipos de intercambiar objetivos, con la profundidad de campo.

Por aquí dejo dos que me han gustado mucho y el video que mayor votación tiene en la web. El primero, Kolkata portraits, por los elementos visuales con los que se juega y la iluminación, y el segundo, Dancing on chaos, por la sencillez pero intensa belleza que contienen sus imágenes.
El tercero es el vídeo más votado por los usuarios de la web, igualmente recomendado.

http://vimeo.com/9002132
http://vimeo.com/4282520
http://vimeo.com/7058755

Realizadoras

2010-01-27T07:47:00.000-08:00

Interesante programa el que emitirá Metrópolis esta semana. Muy acorde con el que es uno de los objetivos de este blog, el programa nos presentará a mujeres realizadoras españolas, escasas en una industria cinematográfica y audiovisual todavía jerarquizada por nuestros colegas masculinos. Yo no me lo pierdo.
Y aquí un resumen de las realizadoras de las que se va a hablar:

En nuestro país, las mujeres directoras de cine o publicidad siguen teniendo problemas para llevar a cabo sus proyectos, en una industria tan jerarquizada como la cinematográfica, en la que impera una estructura masculina en la que resulta difícil introducirse, sobre todo en los puestos de realización.

Esta semana Metrópolis descubre a la joven generación de chicas realizadoras españolas, que están revolucionando el mundo del clip musical con sus valientes trabajos audiovisuales.

Empezaremos con el equipo de trabajo formado por CELIA GALAN Y ANA LORENZ que está dando un nuevo tono a la imagen musical. Sorprendieron con el clip "Fugaz" para Pinker Tones. Desde su productora Aliolifilms están creando piezas audiovisuales rompedoras, críticas y divertidas. Por su parte, ALEX REYNOLDS, licenciada en Bellas Artes por el Central Saint Martins College of Art and Design de Londres, además de desarrollar su trabajo artístico, es comisaria independiente de vídeo, y organiza actividades culturales como el ciclo de charlas del colectivo Por la Vena. La pieza que veremos esta semana: "Auua", ilustra uno de los temas de la banda de chicas barcelonesa: Tu Madre, de la que Alex forma parte, y recoge la tradición contestataria de la video-acción. Dicen que en las producciones de GINESTA GUINDAL notas de "caviar, rock&roll y dandysmo" se entremezclan. Sus producciones rebosan imaginación y malditismo. Degustaremos en la emisión una de sus propuestas para Maike Ludenbach ("16-2-2007") y otra para Coti ("Nunca tendré").
CRISTINA GOMEZ lleva años realizando cortometrajes y colaborado en un sinfín de proyectos cinematográficos. Para Sr Chinarro elaboró su primer clip: "Los Ángeles" del disco Ronroneando (2008) producido por Les Nouveaux Auteurs & Nanouk Films. TANIA VERDUZCO es una joven realizadora mexicana afincada en Barcelona. Viene de trabajar con algunos de los mejores realizadores de publicidad del mundo y en sus piezas desborda profesionalidad e imaginación. Es el caso de sus videos musicales para el grupo Cat People. LYONA ALYONA en sus trabajos como diseñadora gráfica, diretora y creativa, contagia con originalidad todas las producciones que toca, como este magnífico video para Love of lesbian: "Te hiero mucho" . Para finalizar, TUIXEN BENET está sorprendiendo por la frescura y su intuitiva inmediatez en vídeos como el que realizó para Christina Rosenvinge titulado "Anoche" para su último disco: Labio superior, rodado en HD en el Jardín Botánico de Madrid. En definitiva: ¡CHICAS REALIZADORAS AL PODER!

Fuente: http://www.rtve.es/television/20100118/realizadoras/312765.shtml

Artículo 5, publicado en el periódico "Crónica de Fuerteventura"

2010-01-26T18:25:00.000-08:00

Parece que la publicación del periódico Crónica de Fuerteventura en el que estaba publicando mi columna Bajo el adoquín está el jardín ha "sufrido" un pequeño parón debido a las fechas navideñas y ya se encuentra en marcha. Hoy he enviado mi próximo artículo titulado La fotografía a través de Serge Tisseron. Aquí dejo el artículo de opinión.

Los textos sobre fotografía como técnica o como medio de expresión no son ninguna rareza bibliográfica, sin embargo, los textos sobre la escencia misma de la fotografía, de lo que significa el acto fotográfico, no son tan abundantes . Por ello, me atrevo a dedicar unas líneas a un terreno tan pantanoso y subjetivo como es el de la fotografia entendida como acto e instrumento para enfrentarnos con el mundo, a través de una reflexión personal y después de conocer algunos escritos sobre el acto fotográfico de Serge Tisseron, psiquiatra y psicoanalista francés.
Empezaré por la idea de la transformación o subjetividad de la imagen que comenta Tisseron, es decir, el producir una imagen que una vez representada se convierte en otra a través de “la mirada del otro”. Es interesante esta idea de que sea el espectador de una imagen el que la culmine, el que la dote de su significado último.
Creo importante en el proceso creativo tener en cuenta y jugar con esa “mirada del otro”, es decir, que lo que representemos en una imagen o en una serie de imágenes relacionadas entre sí, se conviertan en las historias de otros. Es esa idea de generar imágenes, con tu propia percepción del mundo y lo que te rodea, para luego “abandonarlas” para que otros las hagan suyas, para que se apropien de ellas y las interpreten según sus vivencias particulares. Es como bien dice Tisseron, una forma que tiene el espectador de asegurarse su propia existencia.
El siguiente aspecto respecto a las ideas de Tisseron, es el que expone cuando comenta que “la fotografía no debe intentar la integración del mundo sino que, por el contrario, debe constatar su desintegración”. Esa concepción del acto fotográfico como una acción para recordarnos la desintegración de todo lo que nos rodea, de su inevitable desaparición, es la esencia misma de la fotografía. Como comenta Roland Barthes en su libro La cámara lúcida, dejaremos realmente de existir cuando ya no quede una sola imagen en el mundo de nosotros.
La relación que establece el autor entre el placer de la contemplación fotográfica con esa fantasía que nos abarca del deseo de haber estado allí, es una relación bastante interesante debido a su alusión de traspasar el tiempo, viajar en él. La fotografía nos permite (y por ejemplo, propongo la fotografía familiar) transportarnos aunque sea visualmente, a los tiempos de nuestros abuelos, ver el entorno en el que vivían, cómo ha cambiado la ciudad o el pueblo en el que ahora vivimos nosotros, y esa transportación no sería posible sin la fotografía, ya que un edificio o estructura antigua podría acercarnos de una forma melancólica a “lo que podría haber sido aquello”, pero no nos ofrece una visualización de cómo eran sus habitantes, o con qué se relacionaban, con qué herramientas contaban para el día a día. Si un edificio antiguo nos ofrece parte de esa información, la fotografía nos ofrece más que eso, nos ofrece un sentimiento del tiempo con respecto a la casa, los objetos y las personas que una vez estuvieron allí.

Creo que los conceptos de huella y rastro remiten muy bien a lo que tiene de “personal” la fotografía. La fotografía documental podría ser un ejemplo de huella fotográfica, pues registra un hecho, una acción, un testimonio, un fragmento de la realidad que todos podemos ver, sin embargo, el rastro es lo que podría denominarse el lado abstracto de la fotografía, es decir, son elementos externos a lo puramente formal. Serían aquellas fotografías que nos producen ese Puctum del que Roland Barthes hablaba, “ese algo” de la imagen que nos produce un pellizco en el estómago y que puede ser generado a través de una atmósfera, un elemento extraño o siniestro a la manera freudiana, una determinada luz, una pose, un instante mágico o sorprendente, un encuadre, una composición, una sombra.
Un ejemplo de este lado abstracto de la fotografía, de este lado que me atrevería a denominar incluso como espiritual de construir fotografías, sería el ejemplo que utiliza Tisseron sobre la fotografía en la que Barthes “encuentra” a su madre, “cuando se reencuentra con ella”. Esa comunicación que Barthes mantiene con su difunta madre a través de una fotografía en la que aparece ella de niña, a una edad en la que Barthes nunca la podría haber conocido, es ese lado espiritual de la fotografía a la que me refiero, en cómo en una imagen alguien puede encontrar algo tan complejo como es la esencia misma de una persona. El Puctum de la fotografía de la madre de Barthes, es su madre misma, no su madre-cuerpo, sino su imagen, el sentimiento y el apego que tenía Barthes de su madre.

La idea del estilo fotográfico es uno de los principales alicientes de un buen fotógrafo. Lo realmente interesante no es reconocer a un fotógrafo en su fotografía, sino reconocer una fotografía de un fotógrafo, es la búsqueda y construcción de un lenguaje propio ,(¿y acaso no toda creación se basa en la creación de un lenguaje?) se registra, se capta mirando, no viendo. Debemos reconocer al fotógrafo en la imagen, ya sea mediante la luz, objetos que se repiten en la obra de ese fotógrafo, mediante la composición o los ambientes construidos, pues de alguna formacada fotografía, si se ha realizado mirando, es un autorretrato.

Otro punto que llama la atención en torno a las paradojas que comenta Tisseron, es el de la relación de fotografía y muerte, como por ejemplo el hecho de que los líquidos que se utilizan para revelar fotografía analógica hayan sido utilizados por los antiguos egipcios para el embalsabamiento de sus difuntos. Esa relación produce más que escalofríos, pues la relación que mantiene la fotografía con la muerte en este caso, es más que directa. O el juego de palabras que relacionan el revelado fotográfico con la idea de la “revelación divina”, que aunque no dejan de ser meros juegos etimológicos, creo que son fuertes impulsadores de metáforas.

Por último, reconozco mi gusto por la definición de la cámara fotográfica como una depredadora. Las mismas definiciones para hablar de la acción fotográfica se relacionan con lo agresivo, como cuando hablamos del disparador, pues la misma palabra alude al asesinato o al crimen. Esa visión de la cámara como una depredadora que devora al mundo, que extrae fragmentos de un todo, remite a la vulnerabilidad humana, pues nosotros mismos podemos ser devorados, al igual que lo hace la cámara con el mundo o la realidad, por “la mirada del otro”.

Nazaret Umpiérrez del Río

Cine artístico

2010-01-24T15:23:00.000-08:00

Hace unas semanas adquirí un libro de la edición Tashen que suele publicar cositas interesantes a muy buen precio, sobre todo para cuando necesitamos algún repaso de artistas y obras para encontrar inspiración.
El libro en cuestión se llama Cine artístico y recoge todas aquellas modalidades o formas de hacer cine "no convencional". Las categorías en que se dividen los capítulos del libro son: cine surrealista, postsurrealismo y épica, cine abstracto y lírico, la sinfonía urbana, cine de ensayo y cine paisajista, el temps mort, cuadros vivos y duración, cine estructuralista y conceptual, cine expandido y cine de instalación, cine de collage y metraje encontrado, autorretratos y autobiografías, Dadaísmo, parodia y camp y remakes.
En él me he encontrado muchos videoartistas que ya conocía, pero muchos otros no menos interesantes de los que no había oído hablar.
El libro me parece una rica fuente de artistas y obras, así como una estupenda guía histórica de este tipo de cine, que se escapa de toda cinematografía a la que estamos acostumbrados a entender como tal, y esto se consigue principalmente modificando y alterando los principales conceptos del cine convencional, es decir, el tiempo y la estructura narrativa.

Miranda July

2010-01-22T22:42:00.000-08:00

Interesante el trabajo de esta artista multidisciplinar:

http://www.que-leer.com/1531/miranda-july-%C2%BFpero-de-que-va-esta-chica.html

http://www.elpais.com/articulo/semana/juego/Miranda/July/elpepuculbab/20090411elpbabese_3/Tes

Tacita Dean

2010-01-22T06:26:00.001-08:00

Hoy vengo con Tacita Dean, artista visual británica nacida en 1965 . Formada en un principio en el campo de la pintura, es mucho más conocida por sus obras audiovisuales, aunque trabaja con otros soportes que van desde la fotografía y el sonido hasta el dibujo.
Aquí dejo una descripción de lo que a grandes rasgos trata la obra de esta artista:

Las películas de Tacita Dean consisten en planos fijos; ella misma explica que las cosas, los episodios, pasan o aparecen delante del encuadre y que evita las panorámicas y los zooms. Se trata de un encuadre obsesivo (o un conjunto de pocos encuadres) que se concentra en un paisaje, un gesto, un objeto, un episodio. De ahí su violenta y extremada “lentitud” y de ahí también que los filmes de Tacita Dean se hayan calificado -aunque posean banda sonora- como puro silencio. ¿Pero qué sentido posee este arte autista? Quienes superen la primera sensación de incomodidad motivada por el carácter estático de las películas, observarán que el lenguaje de Tacita Dean es la poesía. Poesía quiere decir subjetividad, evocación, sugerencia, metáfora, intuición. Los filmes de Tacita Dean son una obra abierta a múltiples interpretaciones y sugestiones. En contraposición, la prosa posee una estructura racional, ilustrativa, narrativa, dinámica, en definitiva más cerrada. Los mecanismos para motivar el lirismo y la sugestión son múltiples; la estrategia de nuestra artista es la contemplación, la contemplación fija y estática sobre no importa qué fragmento de la vida. La imagen así descubre toda su capacidad evocadora y polivalente. La fijación del encuadre, la inmovilidad, la lentitud son, sin embargo, la condición de esta poesía, de esta capacidad metafórica. Porque no se trata tanto de captar el mundo de las apariencias, sino de una puesta en extrañeza, un situar fuera de contexto. Las imágenes de Tacita Dean son como abstractas y desconcertantes porque su inmovilidad rompe con los hábitos perceptivos y nos deja sin las pautas de lectura habituales. Se crea una distancia o un corte en el circuito de comunicación que nos obliga a repensar y remirar sin las frases ni las respuestas hechas. Las imágenes se presentan como una sorpresa, como algo que hay que descubrir, el lenguaje de la poesía.

Jaume Vidal Oliveiras
Fuente:http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/2037/Tacita_Dean

Boceto para "Desaparición" 21-01-10

2010-01-21T17:53:00.000-08:00

Hace algún tiempo publiqué en este blog una entrada sobre fotografía y la relación directa que ésta guarda con la muerte y la desintegración. Me serví como ejemplo de aquellas reflexiones con un boceto que había concebido para una de las asignaturas de proyecto en la facultad. Se trataba de un proceso de destrucción de una fotografía familiar, en la que a través de una paciente realización de un gran número de fotocopias de las anteriores fotocopias que partían de la fotografía original, iba provocando una desintegración de las formas, una despersonalización de los rostros y las identidades de aquellos parientes.
El proyecto se quedó como un bosquejo, pero de esos bosquejos a los que les tomas cariño porque de alguna forma la idea que la concibe te interesa de verdad, y porque de alguna forma ese boceto tiene una especie de fuerza atronadora para convertirse en algo más, en un proyecto mucho más complejo, extenso, ambicioso, autobiográfico e íntimo, pues como bien dice el artista Matthew Barney, "lo importante es tener la disciplina de seguir una idea hasta el final, de llevarla hasta el límite".
La cosa es que aquello se había quedado aquí, en mi estanteria, durante un año, pues en aquel entonces era mi último año de carrera y la transición y depresión postuniversitaria, que en mi caso conllevaba también la vuelta a casa, de Granada, donde había adquirido aquellas disciplinas artísticas, rodeada de compañeros y amigos de facultad con los que compartir ideas y en los que encontrar inspiraciones y aspiraciones, donde la oferta de concursos, certámenes y exposiciones te rodeaba, a volver a Fuerteventura, una isla menor de las Canarias, excluída de aquella actividad universitaria que me motivaba a proyectar, ha hecho que mi actividad creativa se haya quedado estancada.
Hace unas semanas sacudí el polvo a todos los apuntes del resultado de mis investigaciones durante la carrera, montañitas de notas, cuadernos y fotocopias que había podido recolectar en mis horas de biblioteca. Una vez releídos y reabsorvidos, decidí volver a aquel boceto de fotocopias.
Me pregunto si ha sido una necesidad o el remordimiento de escasa actividad artística, la que ha hecho que me atrajera poderosamente otra vez esta idea de la memoria, de la muerte, de la desintegración, del tiempo, de lo impreciso, de lo efímero y de lo familiar a la mente, y digo que no sé si ha sido por algún tipo de necesidad subconsciente, porque este mismo mes ha hecho un año de la muerte de un familiar cercano, que se fue en apenas 15 días después de diagnosticársele una enfermedad, y creo que es el impacto de la idea de que un dia te encuentras perfectamente y que de repente desapareces en apenas unos días, el que haya podido tener una especie de poder que activara de alguna forma mi sensibilidad respecto a este tema en concreto, pues de alguna forma, con la experiencia de la muerte de un ser cercano, he visto encarnados muchos conceptos que habia trabajado, el de la desintegración, el de la muerte, el tiempo, el de lo efímero y delicado que es el cuerpo.
El caso es que me he propuesto tomarme en serio este proyecto, retomar fotografías familiares y volver a plantear piezas sobre la desintegración de la imagen, que al fin y al cabo termina siendo un recuerdo. Lo último que me he planteado es llevar al vídeo esta idea, con la misma metodología que quiero hacer con las fotografías familiares, de manera que a partir de un registro audiovisual de mi propio rostro, realicé un proceso de desintegración y desaparición de la imagen original mediante la repetición, a modo de letanía, como una especie de transición o camino hacia la muerte.
Esta misma tarde he realizado un boceto videográfico en el que quería explorar el resultado de la grabación de un vídeo que es regrabado una y otra vez con cada copia, a través de un monitor.
Es una transición real, una destrucción real de un archivo, que presenta, y no que"representa", mi propia muerte digital. Me han resultado interesantes los caprichos sonoros y formales de la desintegración:

Las líneas de mi rostro se van deformando, las proporciones se van alterando, voy adquiriendo un color azulado, las líneas de la pantalla analógica marcan mi cara, a penas se advierten mis ojos ya, me voy transformando en un plano monocromático con manchas que aparecen y desaparecen. El sonido ambiente también se va transformando, adquiriendo cada vez más una identidad musical, a modo de alguna pieza experimental, como una melodía que se volatiliza junto con las formas. Parece como un viaje a otra dimensión, me recuerda a la idea que dice que somos el producto de polvo de estrella, y en efecto, el archivo va adquiriendo gradualmente, un carácter estelar.

Tengo pensado llevar a cabo bien esta pieza, con una cámara mejor y con un trabajo más concienzudo de transiciones entre los planos que ayuden a la continuidad de la misma.

Publicación en la red de la exposición de alumnos de la facultad de BB.AA de Granada , 2008

2010-01-18T20:45:00.000-08:00

Aunque esto sucedió hace ya dos largos años, recién terminado mis estudios en la facultad de bellas artes, me encontré hace poco una publicación en internet en la página "granadaenlaweb", donde se recoje el texto realizado para el catálogo de la muestra, celebrada en el Centro de Arte Damián Bayón de Santa Fe en la ciudad de Granada.
De una gran cantidad de obras presentadas por todos los alumnos de la facultad, se seleccionaron 18 trabajos bajo la supervisión de un jurado compuesto por diversas autoridades. La obra que nos fue seleccionada es una fotografía de gran formato (casi 2 metros en su lado mayor) que pertenece a una serie titulada "The house" realizada junto con otra compañera, Francesca Colucci. La obra se centra en conceptos como la relación del sujeto con el espacio, la idea de la ruina como huella y herida y de cómo la naturaleza recupera su territorio devorando aquellas construcciones abandonadas por el hombre. En cuanto a curiosidades decir que a parte de ser las realizadoras de la obra, también somos las protagonistas que aparecen en las imágenes, por lo que no sólo estamos vinculadas intelectualmente con la obra, sino que también lo estamos físicamente.
A continuación muestro el primer bloque del catálogo de la exposición, donde se relatan los objetivos y motivaciones de la misma, escrito por Francisco Javier Sánchez, y tras ello, una imagen del cartel de la muestra y también una imagen de la obra seleccionada.

1) EN QUÉ CONSISTE, CÓMO SE ORGANIZA Y CUÁLES SON SUS OBJETIVOS La Delegación de Cultura y Juventud de la Diputación de Granada establece, en colaboración con la Facultad de Bellas Artes de Granada, una convocatoria anual para organizar una exposición colectiva en una de las salas de la Red de Municipios. Su objetivo es dar salida a los proyectos artísticos llevados a cabo dentro del régimen interno de cursos y calificaciones propio del ámbito académico a través de los circuitos públicos de exhibición no universitarios. Desde el punto de vista de los artistas debutantes, supone una toma de contacto con el marco expositivo estándar -el cubo blanco oficial- y una oportunidad de darse a conocer tanto en los círculos provinciales como nacionales, pues la exposición posee cierta difusión en las secciones culturales de los diarios y en la prensa especializada. En la selección, llevada a cabo por uno o varios técnicos de la Diputación de Granada, puede participar un crítico independiente que, posteriormente, se encargará de elegir el título y escribir el texto de presentación que acompañará la muestra. La selección de las obras se efectúa en virtud de criterios como la calidad y el interés, la coherencia y la relación con las prácticas contemporáneas; este sistema evaluativo es parecido al utilizado en los certámenes de artes plásticas actuales, y en realidad el resultado recuerda precisamente a esos lugares en los que hay muchos artistas jóvenes juntos y cuyo efecto más inmediato es un inevitable atomismo estético.

"EOS 7D + DIY dolly / 1st (snowy!) outdoor test"

2010-01-18T12:16:00.000-08:00

Llevo unos días enclaustrada en mi "estudio-habitación" buceando por la red, buscando apuntes y más apuntes sobre cine y audiovisuales (tengo el mono de estudiar) y topándome durante esa búsqueda con piezas interesantes como ésta que les dejo por aquí.
Realmente es un vídeo-demostración de los resultados de una cámara réflex en modo vídeo y una Dolly casera (imagino que saben lo que es ésta última, pero por si acaso, es una especie de superficie plana con ruedas montada sobre unos raíles para deslizar la cámara de vídeo evitando así el efecto de movimiento y consiguiendo un recorrido visual perfectamente estático). Aunque el supuesto objetivo de este vídeo es demostrar el efectivo método, me gustaron mucho los planos y secuencias y la acertada banda sonora que los envuelve.
Por aquí dejo el enlace:

http://vimeo.com/8635818

"Jugar con los clichés para luego quebrarlos"

2010-01-18T09:01:00.001-08:00

Hace tiempo que no vengo con una mujer artista. Esta semana en el conocido programa "Metrópolis", emitido en Televisión Española, se ha dedicado el capítulo a la videoartista alemana Corinna Schnit. Me pareció interesantísimo su trabajo, entre otras cosas, porque trata con conceptos que a mí particularmente me gusta trabajar y tener en cuenta a la hora de abordar un proyecto:
la idea de la ambiguedad, los efímeros límites de lo que es realidad y de lo que es ficción, jugar con la mirada del espectador, derrumbar clichés y ese punto de siniestralidad en las escenas.
Mejor que seguir explicando su obra, es más que recomendable dejar que sea la misma Corinna Schnit la que la explique a través de este maravilloso programa, (el único que me hacía encender la televisión, junto con "Redes", y que ya ni siquiera me hace falta teniendo la oportunidad de poder ver ambos programas online cuando me apetece).

Sin más les dejo el enlace al capítulo. Que lo disfruten.

http://www.rtve.es/television/20100111/corinna-sch nitt/311340.shtml

Fotograma de "Living a Beautiful Live"

The Third & The Seventh

2010-01-13T17:16:00.000-08:00

Impresionante corto realizado por el español Jorge Seva, alias "Alex Roman". El título es The Third & The Seventh, y aunque les parezca increíble, la obra está realizada enteramente con sofware 3D y además es el mismo autor el que ha producido toda la pieza, tanto las imágenes, como la iluminación, la música, etc.
El tema del corto, según ha dicho en una entrevista Jorge Seva, versa entorno a "la mirada del fotógrafo", una auténtica gozada para los sentidos, así que les recomiendo que dejen la luz bien atenuada o inexistente, ponganse unos buenos cascos, o si se tiene, un "Home Cinema", una pantalla lo más completa posible y lo más importante, tener tiempo y estar bien relajaditos para dejarse llevar por esta obra de arte sin precedentes.

http://www.vimeo.com/7809605

Nenu

2010-01-11T15:24:00.000-08:00

Domingo, una caravana y un puñado de amigos muy cerca del farito del pueblo costero de "El Cotillo".
Por la noche una vueltecita al faro y Neno (cariñosamente Nenu) junto a una pequeña fuente de luz.

"CLICK"

No es pijotería tecnológica

2010-01-06T03:38:00.000-08:00

Ya es hora de cambiar las herramientas, por fin estoy a pocos días de contar con tecnología Apple para trabajar mejor y más rápido, y no, no estoy alardeando de pijotería tecnológica, no soy amante de la moda Apple, que si el Iphone, que si el Ipode..., pero cuando se trata de mi trabajo me gusta desembolsar en los mejores equipos para hacerlo con la mayor calidad y rapidez posible, y por eso me he decidido a "adoptarle" a Apple uno de sus nuevos Imac de 21,5" de 500 Gb, me parece mejor comprar éste al de 1TB, pues adquiriendo un disco duro externo de 1TB para almacenar el material de trabajo me parece más práctico, dejando así la memoria del equipo íntegra para trabajar con los programas, y 500Gb es más que suficiente para que vayan como la seda.
Una de las novedades es que los nuevos Imac vienen con los nuevos ratones táctiles "Magic mouse", una pena, ya que me he acostumbrado a la tableta gráfica y no hay quien me la quite ahora. Por lo demás pinta bastante bien, no sólo por el diseño del hardware, casi todo inhalámbrico (libre de "cablerío") sino también por la pantalla panorámica retroiluminada, (que espero que no de muchos problemas a la hora de calibrarlo porque por lo visto suelen venir con la pantalla sobreiluminada), ideal para trabajar la imagen (fotografía, vídeo y diseño).
Sólo espero no tener que pegarme horas para revelar archivos RAW porque el Pc vaya lentisísimo, renderizar por cada paso que haga en el montaje de un vídeo, ver películas con un monitor casi cuadrado que comprima la imagen o estar pidiéndole cada dos por tres a mi hermano que me sanee el ordenador.

Lat den rätte komma in (Déjame entrar)

2009-12-24T09:12:00.000-08:00

Hace algún tiempo mi amigo Javi me pasó unas cuantas películas, entre las que se encontraba una titulada Déjame entrar.

Esta misma tarde me dispuse a verla, sin tener idea alguna del film, y para mi sorpresa, fui descubriendo que me encontraba ante una película de vampiros. Y digo sopresa, porque en ningún momento la estructura y "ambiente cotidiano y casi inocente" de las imágenes cuando comienza, da a entender de que se vaya a tratar, en realidad, de una película fantástica. Más bien tiene el aspecto de una de estas películas europeas enmarcadas en el cine independiente, barata, y que nos va a contar algo sobre la desgraciada vida de un niño que es agredido cada día por un grupo de matones de su escuela en la Suecia de los 80. Y de ahí radica el encanto de esta película, de lo delicada y perfectamente integrada que está una historia tan clásica y fantástica como es la de los vampiros en ese entorno tan cotidiano.
El film por lo visto es una adaptación de una novela con el mismo título, cuyo autor es John Ajvide Lindqvist (también guionista de la película) y en la que se narra el encuentro de un niño, Oskar, y una niña, Eli, en un bloque de pisos de una ciudad Sueca a la que se ha mudado recientemente ésta última. A partir de ahí comienzan una serie de sucesos en el pueblo que irán desvelando a cada uno de los personajes, pero mejor les dejo un enlace al final del post con la sipnosis, trailer y más detalles.

La fotografía es excelente bajo mi punto de vista, pues soy amante de los colores desaturados, los juegos de enfoques y desenfoques, de los primeros planos y los detalles, así como admiro el juego que se hace todo el rato en la película con espejos y reflejos en los cristales. Me cautivó la delicadeza de las imágenes, enmarcados en la invernal Suecia de los 80, y la manera en que se tratan las escenas más gore, en las que la niña vampira ataca a las víctimas, donde no se oculta la sangre, pero en la que tampoco se hace un circo de ella, cada plano parece estar cuidadosamente pensado, a modo de fotografías.

Tras leer algo sobre la adaptación, por lo visto en el libro se menciona que Eli (la niña vampiro) realmente es un niño castrado (detalle que apenas se deja adivinar fugazmente en una escena en la que Eli se cambia de ropa), y también parece que en la película se ignoraron los sentimientos pedófilos del cuidador de Eli hacia la misma.

En definitiva, que es una película que recomiendo, superando con creces en profundidad y delicadeza a la sonadísima saga Crepúsculo.

http://es.wikipedia.org/wiki/D%C3%A9jame_entrar_(pel%C3%ADcula)

http://www.klownsasesinos.com/peliculas/d/441--let-the-right-one-in-dejame-entrar-2008.html

http://www.youtube.com/watch?v=7fHC0U17VwM

Cuarto artículo publicado en el periódico Crónica de Fuerteventura, Diciembre 2009

2009-12-21T16:36:00.000-08:00

Articulo 4

Soportes tradicionales y nuevas tecnologías

El videoartista Nam June Paik dijo en una ocasión que el tubo cadótico reemplazaría a la tela, y lo
cierto es que si no ha llegado aún a reemplazarla, sí que se ha hecho un importante hueco en el terreno
de las artes, aunque más que de el tubo cadótico ya podríamos hablar del LCD.
No es ningún descubrimiento que la tecnología se ha desarrollado más rápido en la última década que
en los últimos cien años, y no podía ser menos su impacto dentro de las estrategias artísticas, en las
que ha cobrado gran protagonismo hasta el punto de que me atrevería a decir que es mayor hoy el
número de artistas que utilizan las nuevas tecnologías frente a las antiguas estrategias como son la pintura
sobre tela, la escultura de bulto redondo o el dibujo a grafito. De hecho, ahora parecen existir en
muchos creadores una especie de melancolía hacia estas estrategias “de toda la vida”, provocando el
desarrollo de propuestas en las que parece existir una necesidad de demostrar que aún se puede innovar
y sorprender con elementos sencillos, baratos y cotidianos.
¿De verdad podemos creer que llegará un momento en que la tecnología lo devore todo?, yo creo que
al menos dentro de las artes, no. En mi propio trabajo utilizo muchísimo las nuevas tecnologías, pero
sin embargo, nunca desaparece esa necesidad de emborregar y deslizar pintura sobre una tela, sencillamente
porque creo que son experiencias distintas, una no puede reemplazar a la otra.
Me encanta cuando descubro artistas contemporáneos que utilizan el ingenio para sorprender con
piezas frescas e innovadoras sin un ápice de tecnología que las impregnen. Pienso en artistas como
Juan Francisco Casas, con sus enormes dibujos hiperrealistas hechos a bolígrafo bic azul, o en Simón
Zabell, profesor de la facultad de bellas artes de Granada, al que le debo tantas piezas que conseguí
crear durante sus clases, con su innolvidable “La Jalouise”, novela desplegada página a página forrando
toda una habitación. Pienso en artistas conocidísimos como Ghada Amer y sus sugerentes figuras
bordadas, pienso en mi admiradísimo Félix González Torres y sus pilas y pilas de fotocopias por toda
la sala, o en Christian Boltansky y sus santuarios de fotografías antiguas o sus teatros de sombras.
Sin emabargo, es una logro que por fin la fotografía tenga el reconocimiento que se merece como categoría
artística, que tanto le costó conseguir dentro de las reconocidas bellas artes, (término ya
dudoso en estos tiempos, pues el término belleza ya no es lo que era, por lo que me gusta definirlo
como artes plásticas y visuales).
Siempre parece que nos cuesta aceptar lo nuevo, nos costó aceptar a la fotografía, que sin embargo
ahora disfruta de igual e incluso de mayor fuerza dentro del sistema que la pintura, nos constó aceptar
los soportes audiovisuales y multimedia, así como en su momento costó aceptar a las instalaciones, las
performances o los happenings. Pero se demuestra con el tiempo, que éstas van entrando irremediablemente
en los circuitos con lenguaje propio, pues ya sabemos, siempre tenemos miedo a lo nuevo, tenemos
miedo de que nuestros sistemas o cánones sean mancillados o sustituídos por sistemas que apenas
conocemos, y a esto lo conocemos como cambio. Tenemos miedo al cambio.
Creo que nos encontramos en una era interesantísima en lo que a arte se refiere, pues no estamos obligados
a ceñirnos a ningun canon, sino todo lo contrario, el arte se desparrama, se fusiona, se confunde,
se camufla entre toda la maraña que conforma a nuestras sociedades. Podemos utilizar todo lo que esté
a nuestro alcance para dialogar, expresar o incluso para no decir nada, y las nuevas tecnologías son
una herramienta más para este objetivo, sin tener que aplastar a las antiguas disciplinas artísticas.
Recordemos que no se trata de sustitución, sino de cambio, de transformación, de expansión, y con
esto no quiero defender el famoso “todo vale”, ya que desde siempre, hay pinturas mejores que otras,
al igual que hay propuestas contemporáneas mejores que otras indiferentemente de su soporte. El buen
arte siempre será bueno, sin importar cual sea su medio para comunicarse con el mundo.

Nazaret Umpiérrez del Río

Tercer artículo publicado en el periódico Crónica de Fuerteventura, Diciembre 2009

2009-12-21T16:34:00.000-08:00

Articulo 3

Del taller a la calle

¿Cuál es la funcionalidad del arte, a quiénes va dirigido, qué nos cuenta?.
Ya en la época griega el arte tenía unas funciones muy claras y delimitadas, la obediencia a un canon y a
unas reglas que no se debían transgredir. Lo mismo sucedía en el medievo, donde las prácticas artísticas
actuaban en servicio de la religión y no pasaban de la mera representación de escenas religiosas o la
construcción de enormes catedrales, todo bajo un mismo esquema. En el Renacimiento el arte se ocupaba
de la representación de la perspectiva, con escenas y temas religiosos o filosóficos.
Así fue ocurriendo en épocas sucesivas, donde poco a poco el arte se fue liberando del servicio exclusivo
político-religioso y se fue acercando al obrero, al pueblo, a las preocupaciones del ciudadano a pie de
calle.
Me atrevería a situar este cambio donde se rompieron estas concepciones cerradas de la supuesta funcionalidad
artística, en torno a principios de los años setenta del siglo XX, con la introducción del feminismo
y el activismo dentro de las prácticas artísticas. A partir de ahí el arte ha pasado de reflejar, describir
y representar a generar, cuestionar, modificar denunciar y presentar.
Esto quiere decir que el arte ya no sólo no debe contar, narrar o describir la realidad tal y como la conocemos
fisicamente (o como nos la han hecho conocer moralmente), sino que debe CUESTIONAR. El
arte no es ya una ficción, no es ya una escena delimitada por un marco, el arte por fin se libera y ocupa
el espacio, la realidad, el territorio, incluso destruye.
Ese es el principal objetivo de los procesos artísticos desde hace unas décadas, cuestionar esta realidad,
modificarla, denunciarla o incluso generar otras nuevas.
No sólo se han transformado las propuestas artísticas y los artistas, sino que lo ha hecho también el espectador.
El espectador ya no es un sujeto pasivo ante la obra, el espectador ahora participa en ella, interactúa,
se relaciona con ella, incluso la realiza. Podemos decir que el espectador ya no es sinónimo de
observador, pues ahora actúa, participa en la obra.
Estos cambios también han provocado que el artista deba ser mucho más creativo y participativo, así
como mucho más atento con a quiénes va dirigida su obra. El artista hoy se preocupa del uso que hacemos
del territorio, denuncia situaciones religiosas, políticas y sociales, el arte hoy no sólo es público,
sino que también es privado (aunque creo que lo personal es político, y los límites entre lo que es público
y lo que es privado se desvanece). Podemos encontrar trabajos en torno a lo público como el de Muntadas,
con sus propuestas sobre los medios de comunicación de masas, o la conocidísima obra de
Warhol con todos esos recursos superficiales que le brindaba la publicidad, hasta trabajos intimísimos y
delicados como los de Louise Bourgeois, con ese extraño y profundo universo familiar en el que todos
nos podemos sentir identificados alguna vez.
El artista nos invita a formar parte de la obra, hasta un punto en que muchas de ellas no existirían sin la
participación activa del espectador, por lo que también nosotros, los espectadores, tenemos ahora el
compromiso de participar en ella.
La concepción artesanal y técnica del artista poco tiene que ver ya con el multidisciplinar y flexible
creativo que observa, analiza, modifica y se sirve de las herramientas que le ofrece su entorno para invitarnos
a participar de sus visiones.
El artista ya no se queda en el taller, como antaño hacían los viejos maestros, el artista hoy sale a la
calle, se sumerge y participa en ella, la cuestiona y la transforma, y si hace falta le dará la vuelta para
que podamos ver más allá de nuestras narices.

Nazaret Umpiérrez del Río

Segundo artículo publicado en el Crónica de Fuerteventura, Noviembre 2009

2009-12-21T16:31:00.000-08:00

Articulo 2

Objeto y materiales concretos - Espacio contexto

La concepción de escultura pública se ha transformado, y lo que abarca actualmente el término
escultura poco o nada tiene que ver con el objeto estático y cerrado o las figuras clásicas sobre
peanas “regadas” por el espacio urbano.
La peana es un elemento que es a la escultura como el marco a la pintura, es decir, un delimitador
de lo que es arte y de lo que no lo es. Esa delimitación que provoca el marco nos está diciendo
que lo que está a partir de él hacia afuera, es “realidad”, y lo que está a partir de él hacia
adentro, es la obra, es arte. Lo mismo ocurre con la peana en escultura, pues la peana nos
indica que aquello que está sobre ella es arte, lo que se traduce en “no se puede tocar”, la concepción
de “lo sagrado” en la pieza artística, de lo que les hablaré en otra ocasión.
La escultura sobre peana se concibió inicialmente para el retrato de héroes militares y gobernantes,
eran obras concebidas para mantener a estos personajes en la memoria histórica, ahora
bien, esto ha cambiado desde hace tiempo. Poco a poco se dejó de representar sólo a personajes
distinguidos y se comenzó a retratar a la gente del pueblo, al obrero, al ciudadano común,
de una manera digna y honrada, y esos límites se fueron difuminando poco a poco, abarcando
temas cada vez más cotidianos, complejos y abiertos, y con todo ello, la pérdida de la peana
para una mayor integración y fusión con la realidad.
El arte público, y dentro de éste, la escultura pública, debe hablar del contexto, debe integrarse,
adaptarse e instalarse en el espacio que habita, el arte público habla de lo que le rodea, de la
historia de un lugar, de su estilo de vida, de la identidad de quienes lo habitan y cómo lo habitan,
me refiero a que debe ser un arte comprometido, que de verdad esté concebido “a partir del
lugar”, y no concebido sin saber a priori su contexto social, histórico y político. El arte público
ante todo, SIGNIFICA.
La escultura pública hoy es un ejemplo de cómo hemos pasado de la construcción de objetos
estáticos, inmutables y concebidos para su eternidad en el tiempo, a una escultura más bien efímera,
multidisciplinar, dinámica, que conversa con un contexto en el que se encuentra inmerso.
Lara Almarcegui, joven zaragozana nacida en 1972, es una artista que acomete acciones en la
ciudad, criticando el actual modelo urbano donde es prioritaria la productividad antes que la
convivencia y habitabilidad. Almarcegui “recupera” aquellos espacios urbanos (solares, fábricas
o estructuras en demolición) e interviene en ellos, como por ejemplo en su obra “Hotel en
Fuentes del Ebro”, donde la artista recupera una estación abandonada de un pueblo y lo convierte
en un hotel gratuito por una semana, y en la que tras tal experiencia, los vecinos del
pueblo decidieron conservar el espacio como punto de encuentro. ¿Lo que hace Almarcegui es
escultura entonces?. Sí, es escultura, pero también es mucho más que eso, y es que las categorías
artísticas (pintura, dibujo, escultura, fotografía, grabado, etc) se han fundido, dando pie a
nuevos lenguajes como son la instalación, la performance, el arte de acción, etc. Ya no se habla
tanto de escultura, pintura, o fotografía, como de piezas o proyectos artísticos.
Está claro que este cambio no es sustituto, pues por ejemplo la pintura sigue manifestándose en
su forma más clásica (lienzo, pintura, etc) y muchisimos artistas contemporáneos la siguen trabajando
de una forma fresca y moderna, pero sencillamente considero importante que se sepa
que esas categorías ya no son bloques cerrados, sino que participan y beben las unas de las
otras, incluso de áreas y campos que en teoría no conciernen al arte, y a esto lo llamamos el fenómeno
de la multidisciplinaridad.
La multidisciplinaridad y el proceso como obra, desbancando en muchos casos al objeto como
fin último del proyecto artístico, es uno de los principales cambios que se han producido en la
manera de proyectar y construir arte.

que podamos ver más allá de nuestras narices.

Nazaret Umpiérrez del Río

Primer artículo publicado en el periódico Crónica de Fuerteventura, Noviembre 2009

2009-12-21T16:14:00.000-08:00

Artículo 1

Con tiempos raros

En este post quisiera mostrar mi primer artículo publicado en una columna a la que titulo "Bajo el adoquín esta el jardín" que cubro en el periódico quincenal "Crónica de Fuerteventura", publicado en el mes de Noviembre del presente año.
Antes me gustaria explicar cual es la propuesta de esta columna, en la que me propongo una introducción clara, breve y lo más sencilla posible de lo que significa hacer arte hoy, con el objetivo de acercar mi humilde visión y una teoría del arte en los tiempos que corren a aquellos que no han tenido oportunidad de profundizar en estudios artísticos avanzados, pero que sin embargo, les gusta disfrutar de este mundo. Intento pues, no profundizar demasiado en los temas para que no se conviertan precisamente en lo que intento evitar, en un elitismo artistico.

Articulo 1

¿El arte es aquello que tiene la intención de serlo?, ¿el arte es aquello que para cubrir su función o intención
utiliza todo lo que está a su alcance?...
¿Cuántos nos hemos formulado la famosa pregunta?, ¿qué es el arte?.
Los familiarizados con este mundo sabrán de lo que les hablo, y sabrán que existen tantas respuestas a
esta pregunta como personas en el mundo. ¿El arte es elitista?, sí, pero por muchas razones, y entre ellas
se encuentra el hecho de que en colegios e institutos siempre ha sido insuficiente y limitada la historia del
arte que se imparte a los estudiantes, ya que con suerte se llega hasta el “Pop Art” desarrollado en los
años cincuenta.
¿Qué pasa con todo el movimiento artístico desarrollado desde entonces?, ahí ya entramos en el elitismo
que comento, porque lo que ha sucedido desde lo último que nos enseñaron de historia del arte en nuestros
colegios e institutos hasta hoy, para todos los que no prosiguieron estudios más avanzados en este
campo, ha sido una época desconocida.
Es importante dar a conocer las estrategias actuales del arte para todos aquellos que, aunque no hayan
cursado estudios o no hayan tenido un contacto más o menos directo con el arte contemporáneo, tengan
la oportunidad de, si quieren, acercarse a algo que va más allá de los convencionalismos de lo que entendemos
y catalogamos (o nos hicieron entender y catalogar) como pintura, escultura, grabado, dibujo o fotografía
en sus concepciones más clásicas.
Existen por ahí, fuera de la isla, muchísimos colectivos de artistas jóvenes y no tan jóvenes que impulsan
otras formas de mover y hacer llegar el arte, mediante talleres-laboratorio de creación artística multidisciplinar,
entablando relaciones entre la comunidad artística y el pueblo implicando a este último en los proyectos
propuestos. Artistas que trabajan con el pueblo y sus problemas y que no se dedican sólo a colocar
pesadas moles de piedra o hierro que nada tienen que ver con el emplazamiento que ocupan, me refiero a
un arte público en contexto con el lugar.
El arte ha cambiado de lenguajes y soportes, y es cierto que a la isla de Fuerteventura cada vez llegan
más propuestas interesantes como la ya “II Bienal de arquitectura, arte y paisaje de Canarias”, donde se
dan cita prestigiosos artistas contemporáneos de todo el mundo, o como también hemos podido asistir a
exposiciones de artistas de la talla de Tony Oursler en la Sala Juan Ismael. Si, el arte contemporáneo
poco a poco va llegando a la isla, pero, ¿qué pasa con la difusión de la teoría y pensamiento del arte contemporáneo?,
porque aunque nos lleguen propuestas y proyectos interesantes a las salas de exposiciones
o fuera de ellas, creo que es igual de importante difundir el pensamiento y formas de hacer arte hoy, lo
que les preocupa a los artistas, aquellos que se comprometen a proyectar una visión de lo que les rodea,
los que cuestionan esta realidad. Hay analizar cómo se manifiesta y con qué lenguajes se trabaja en la
creación, impulsar una comunidad artística comprometida con lo que sucede en la isla desarrollando estrategias
de visibilidad y distintos espacios de comunicación, generando lugares que llamasen la atención
donde siempre hubiesen proyectos interesantes. Promocionar el arte mediante canales alternativos y fo
mentar el mestizaje entre prácticas artísticas y las que aparentemente no lo son, esto es, fusionar el lenguaje
artístico con otros ámbitos que preocupen a la localidad, algo así como “un arte en familia”.
Apuesto por impulsar en la isla el ejercicio del pensamiento y la reflexión de lo artístico en estos tiempos,
hablar de cómo han ido desarrollándose los lenguajes y cuáles son los grandes temas que acaparan los intereses
y preocupaciones de los artistas actuales, hablar sobre la transformación de estos lenguajes y
cuestionarlos, apuesto por el compromiso de “hacer llegar” estos cambios a la gente de la isla, aunque
sólo sea mediante este trocito de papel, quizás yo tenga esta inquietud sencillamente porque sigo siendo
de esas pocas personas que aún cree inocentemente o no, en el poder del arte para cambiar el mundo.

que podamos ver más allá de nuestras narices.

Nazaret Umpiérrez del Río

Lykke Li

2009-12-01T16:11:00.000-08:00

El Lunes fui al cine a ver la segunda entrega de la saga "Crepúsculo, Luna nueva" (creo que la gran mayoría conoce de qué va la historia, así que me ahorro descripciones). No es una historia que me haya conmovido especialmente, pero lo que sí es cierto es que la banda sonora de esta segunda entrega es deliciosa, hasta tal punto de que creo que salí con buen sabor de boca de la sala gracias a ella.
Hoy buscando la banda sonora topé con uno de los temas que más me gustaron ("Possibility") y busqué a la autora de dicho tema.
Su nombre es Li Lykke Timotej Zachrisson, es sueca, tiene veintitrés añitos (igual que yo por cierto) y sólo ha sacado un álbum hasta ahora (en 2008) titulado "Youth Novels".
El estilo de su música, a mi gusto, tiene cierto parecido con la de Enya, aunque claramente distinguible.
Me encanta cuando descubro voces y estilos tan especiales como la de esta chica, difícil entre tanta saturación de "música comercial".

Aquí dejo un enlace a su página web donde podéis escuchar alguno de sus temas (incluído el de "possibility" de "Luna nueva") y curiosear fotografías y el enlace a su biografía en la wikipedia.

http://www.lykkeli.com/music.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Lykke_Li#Discograf.C3.ADa

Un Domingo cualquiera

2009-11-22T19:11:00.000-08:00

Hoy he salido un rato a hacer fotos por la ciudad con mi hermano Juanfra. Aprovechando algunas luces de la vía pública se consiguieron efectos curiosos.

El cosmonauta

2009-11-20T04:04:00.000-08:00

Interesante y fresca manera de hacer cine, recomiendo que lo vean:

http://www.rtve.es/mediateca/videos/20091109/cosmonauta/609978.shtml

de antiguedades...

2009-11-19T16:28:00.000-08:00

Hoy ha llegado a mis manos una cámara réflex analógica Nikon F-401S a través de mi amiga Luzma que la encontró olvidada en algún recoveco de la casa de un familiar. Desde que la vi era obvio que se trataba de una cámara de gama alta, bastante buena, e incorporaba un objetivo Sigma zoom de 70-210 mm. Buceando por la red busqué características y valoraciones y por lo visto se trata de una serie de cámaras que lanzó la casa Nikon en 1989 y que se trataban de las primeras equipadas con speedlight TTl.
El objetivo Sigma se ve bastante cascado y tiene las lentes sucias, sin embargo el interior de la cámara, incluído el espejo, parecen estar en perfecto estado. También estuve probando el objetivo en mi Nikon D200 pero no he tenido oportunidad de pararme a probarlo en condiciones.
Mañana mismo voy a por unas pilas y un carrete para probar el cuerpo de la F-401S, a ver que tal va.
Tengo esta afición de curiosear equipos antiguos. Ya en un viaje a Egipto me compré en una tienda de antiguedades una cámara de fuelle ADOX alemana de los cincuenta y además en buen estado para trabajarla. Luego de herencia "me tocó" una Ricoh sencillita pero entrañable.

Ya contaré resultados de la F-401S.

Chris Cunningham

2009-11-19T05:29:00.000-08:00

Hoy me gustaría dedicar un post a un videoartista del cual algunos de sus trabajos les sonarán a muchos:

"Empezamos nuestra sección con Chris Cunningham, aunque suene típico y tópico, le debemos mucho a este video-creador que en el año noventa y siete dio de que hablar cuando se le ocurrió sacar a relucir sus freakadas a través de videos de lo más bizarros realizados para su amigo Richard D. James aka Aphex Twin. Desde luego en su unión se juntaron “el hambre y las ganas de comer” y del retorcido cerebro de los dos individuos surgió la idea de realizar unos video-clips de lo más claustrofóbicos y bizarros posibles, en los que reducidas cabezas de Richard se convertían en caras de niñas, mujeres ligeras de ropa y personajes múltiples jamás imaginados por un cerebro “normal”. Cunningham grabó un total de hasta seis video-clips, a la vez que se dedicaba a lo que a él realmente le fascina y que es el video-arte, realizando a la vez anuncios para varias marcas como Playsatation por ejemplo, en los que no dejaba de lado ese toque extraño, casi oscuro de sus proyecciones, y llegando a ser tan reconocido a escala mundial que la misma Madonna-Louise Ciccone, es decir, Madonna, se le ocurrió ponerse en contacto con él para la grabación del video “Frozen” del disco “Ray Of Light”, aunque a él no le apeteciera demasiado.

A Chris Cunningham todo esto del “show-bussiness” en el sentido amplio de la palabra, ni le va ni le viene, a él en realidad lo que le fascina es realizar proyecciones para salas o eventos realizados en galerías de arte o en fiestas de la cultura underground anglosajona. De hecho, ha realizado video-clips y anuncios para la televisión solo para costearse el poder realizar cortometrajes por su cuenta, y en este momento se lo puede permitir, aunque de tanto en tanto regresa a televisión para ganar unas libras y seguir adelante. Pero a Chris no le fascina solo el video-arte, sino que es un artista en el sentido más estricto de la palabra y tiene una necesidad constante de crear y realizar lo que sea con el material que tenga entre manos, ya sea pintura, escultura, y hasta componer música en sus ratos libres. Aunque su fijación siempre han sido los elementos anatómicos de humanos y androides, de ahí la realización de video-clips como el de “All Is Full Of Love” para la cantante islandesa Byörk, o su participación en los efectos especiales de la película dirigida por el tándem Kubrick-Spielberg, “A.I”. Trabajos de los que podemos sacar ciertas similitudes, siempre llevándonos de viaje a su extraño y hermético universo y cuidando todos los detalles.

Actualmente Chris Cunningham está apartado de todo lo relacionado con la industria del video-clip, quizás por ello tampoco los medidos tomen demasiado interés por todo lo que hace al margen del gran mercado, para variar... aunque realmente él ha decidido que así sea, “Ahora que estoy trabajando fuera del negocio del video-clip, visualizo las cosas a otro nivel, porque estaba desesperado por realizar proyectos al margen de todo esto. Puedo llevar las cosas más allá y situarlas en mi contexto, incluso la música, cuando haces videos para otra gente, te ves muy limitado”, comenta. Así que una vez liberado de la carga de pertenecer a una industria y trabajar bajo los mandatos de la misma, Cunningham se siente más vivo que nunca. Puede conversar sobre su trabajo y obra con los fieles seguidores que admiran su obra de cerca a través de sus exposiciones y proyecciones, a los que hace contemplar ese mundo aparte que va desde su cabeza hacia todo lo que toca con sus manos, y que como él mismo definió en una entrevista "Mucha gente piensa que mis trabajos son terroríficos. Personalmente, yo los encuentro hilarantes. Terroríficos para mi son, por ejemplo, los videos de las Spice Girls".

Cunningham se ha tomado un descanso a la orilla de la industria, pero no sin haber dejado atrás su trabajo para películas como “Razas de Noche” o “Alien 3” en las que trabajó como escultor y maquetista, y videos para Autreche, Placebo o Portishead, así como casi todos los artistas del sello Warp. Aunque siempre nos quedaremos con las ganas de no haber podido ver como llevaba a cabo la adaptación de Neuromancer, la obra literaria de William Gibson, descubriendo finalmente que todo se trataba de un rumor que había corrido como la espuma. De todos modos, Gibson confesó que si se llevara su obra al cine algún día, nadie podría hacerlo mejor que Cunningham, al que consideraba “un genio, el hombre perfecto para trabajar”. Así que a la larga Chris ha decidido que lo mejor que puede hacer es no hablar de un proyecto (cinematográfico sobretodo) hasta que no esté atado, y que es mejor realizar las cosas por si mismo que depender de terceras personas.

Para más información sobre su obra, además, se lanzaron una serie de d.v.d’s en los que se incluye también el trabajo de Michel Gondry, Spike Jonze y el mismo Chris Cunningham, publicados en el año dos mil tres por Directors Label, que ahora está preparando nuevas entregas sobre otros talentosos creadores."

Fuente: http://www.popchild.com/Covers/video_creators/chris_cunningham.htm

Por aquí les dejo uno de sus más famosos spots: "Play Station commercial"

http://www.youtube.com/watch?v=ug92ciM2Bm4

Queridos reyes magos...

2009-11-14T14:51:00.000-08:00

Queridos reyes magos:

- Un Imac de 27 pulgadas.
- Un disco duro externo de 1TB.
- Una cámara de vídeo HD.
- Un emisor y receptor para flash.
- Equipo básico de iluminación (unidades de flash, luz continua y accesorios).

Creo que por este año con esto va bien.

Mmmmm....después de ver este cortometraje que les dejo a continuación en este enlace, y después de descubrir lo que en él aparece, creo que tengo pocas posibilidades de que me traigan lo que pido.

Que lo disfruten!

http://www.youtube.com/watch?v=Z1cWjxdL3bI

Ocupar el tiempo en algo productivo

2009-11-14T14:26:00.001-08:00

Hoy he finalizado un curso intensivo de "Final Cut Pro" organizado por el Cabildo de la isla. El taller ha estado genial, lo ha impartido Santiago de Lucas, realizador, cortometrajista y uno de los editores y guionistas del programa "La hora chanante", por lo que nos pudimos reir un rato con el material cedido en las prácticas. Ya hace dos semanas participé en el curso-taller de fotografía digital panorámica, organizado por el mismo programa del Cabildo y con el reconocido fotógrafo Jose María Mellado.

En esta etapa post-universitaria en la que me encuentro todavía algo perdida y en la que la situación para conseguir trabajo tampoco ayuda, se agradece poder disfrutar al menos de estos talleres para seguir adquiriendo conocimientos y ocupar el tiempo en algo productivo.

http://traslaspuertas.lacoctelera.net/post/2008/11/24/entrevista-santiago-lucas-la-hora-chanante-surgio-de

http://www.mellado.info/esp/index.htm

Columna "Bajo el adoquín está el jardín"

2009-11-09T06:29:00.000-08:00

Ya ha salido mi primer artículo en el periódico gratuíto "Crónica de Fuerteventura".
Cada quince días me publicarán un artículo de opinión en una columna que me ofrecieron y a la que llamo "Bajo el adoquín está el jardín", en la cual abordo la situación y transformación del arte contemporáneo actual fuera y dentro de la isla de Fuerteventura.
Más que una ventana de información a las exposiciones que se están realizando en la isla me propongo un objetivo que va más allá de la mera información, me refiero a una concienciación de lo que significa hacer arte hoy, cuales son las metodologías, temas y soportes más actuales, qué es lo que ha cambiado en las maneras de hacer arte.

Este primer artículo se estrena con el título "Con tiempos raros" y actúa como una especie de introducción a lo que voy a tratar en las próximas publicaciones, así como mi propia visión sobre el estado y actividad del arte contemporáneo en la isla, proponiendo siempre alternativas de lo que creo que debería cambiar, evolucionar o incluso devolucionar.

Pequeño corto sobre fotografía documental

2009-11-09T06:27:00.001-08:00

http://video.bugun.com.tr/bugunPlayer.swf?file=dagilfilm.flv

Logo

2009-10-08T16:31:00.000-07:00

Noelia García

2009-09-09T16:06:00.000-07:00

Hoy he encontrado a una artista malagueña llamada Noelia García, tiene un trabajo muy interesante bajo mi punto de vista, relacionado con la fotografía antigua, un tema que ya he tratado en algunos post de este blog debido a mi afán por el carácter transgresor de la fotografía.

El trabajo al que me refiero la podéis ver en su web y se llama "Ayer. Hoy".

http://www.noeliagarciabandera.com/

Muchos BESOS

2009-09-03T16:53:00.000-07:00

Hace dos meses, como ya he comentado en anteriores post, estuve una temporada en Madrid visitando el festival de Photoespaña.
En una de mis visitas a las diferentes galerías y sedes oficiales, mientras caminaba por las calles de la ciudad, me llamó la atención un puesto en una esquina de la calle de un señor de unos sesenta años. El puesto se conformaba de un mantel gris en la que se situaban un buen puñado de fotografías antiguas. Las tenía colocadas en montoncitos, unas con marcos de cartulina blanca, otras protegidas por plásticos y otras sueltas. Me senté, y con toda mi paciencia del mundo me dispuse a coger montoncito por montoncito para ir viendo las instantáneas. Mientras me ponía a verlas el señor se empeñaba en enseñarme las fotografías que "estéticamente" estaban mejor presentadas (las que él creía que serían más atractivas para vender), como la de un muchacho vestido de marino enmarcado en cartulina blanca. Yo seguía pasando imágenes y finalmente me quedé con aquellas tres que más llamaron mi atención. (Para los curiosos, el señor me las vendió a dos euros cada una).

La primera de ellas se trata de una fotografía en blanco y negro, de una señora que calculo tendría unos cincuenta y largos años, enfrente de un monumento en Madrid, un tal Eloy Gonzalo es el protagonista del mismo. La fotografía está realizada a contraluz, de forma que el sol está situado justo detrás de la escultura. Lo que me hizo "apropiarme" de la imagen de esta señora que no conozco es el simple detalle de que no mira a la cámara. Normalmente en este tipo de fotografías, en las que posamos ante un monumento, siempre miramos a la cámara y sonreímos para decir algo como "estuve aquí". Sin embargo es enigmática su mirada, no expresa un despiste de "no estaba mirando, repítela otra vez", sino que es una mirada perdida y una expresión personal y muy propia de esta mujer. Puede parecer una estupidez decidirse a comprar una fotografía de alguien a quien no conocemos, simplemente porque el sujeto no mire a la cámara, pero creo que es interesante el propio acto de "adoptar" la imagen de alguien que quizás ya no exista, porque nos ha comunicado algo a través de ese simple acto del "no mirar".

La siguiente imagen se trata de una polaroid en color, que según datos de la misma nos habla del Septiembre de 1967. Un dato escrito a bolígrafo azul en la parte superior de la misma nos dice que la imagen está realizada en Alicante. Una muchacha joven, como de unos 23 años aparece en la izquierda, una señora de unos 65 en medio y a la derecha una mujer de unos 40. Parece claro que es una imagen familiar de una agradable tarde de verano, sólo eso. Y es sólo eso, es cierto, ¿qué tiene de especial?, otra vez entran en juego varios elementos, como la fecha y más significativamente el escrito en bolígrafo azul. No querían olvidar el lugar de esa fotografía. ¿Y qué ha hecho que esta imagen ahora esté entre mis manos?, ¿acaso podría imaginarse que esa polaroid estaría ahora, en 2009, en la casa de una estudiante de fotografía en Canarias?, son reflexiones muy simples, pero son las que son, no hay más, es el acto de hablar sobre el poder "rotativo" y objetual de la fotografía, de su transgresión, de su perdurabilidad al paso del tiempo.

Por último me decidí por otra imagen en blanco y negro. Ésta es la más interesante para mí por varias razones. Se trata de un niño de unos 7 años apoyado en una superficie o pared blanca. Tiene una mano tras su espalda y otra suelta. Jersey blanco y pantalón corto del mismo color. Corte de pelo recto por delante, a modo de flecos, mira a la cámara pero con los ojos semicerrados, como intentando enfocar, tiene una expresión también un tanto enigmática, como la señora de la primera fotografía comentada. Lo mejor de esta imagen son unas palabras escritas a tinta negra, con letra curva hacia delante que se encuentran tras el papel fotográfico:

"Muchos BESOS"

Juanfra

2009-08-13T08:30:00.000-07:00

Prácticas fotografía de estudio (2009)

2009-08-12T06:12:00.000-07:00

Primeros proyectos en torno a la narración como discurso (2008)

2009-08-11T04:49:00.000-07:00

Lo que nos podría pasar a nosotros

2009-08-11T04:19:00.000-07:00

Propongo un análisis de la utilización de la ficción, de la construcciones esceneográficas, de el uso del espacio como escenario de comportamientos, de participación y modificación.

Me gusta observar lo que me rodea, hablar sobre lo que veo para luego reconvertirlo y reinventarlo. Es como elaborar escenografías y ficcionizarlas para crear situaciones como si fueran algo real, sugerir situaciones, crear ambientes, personajes que se fragmentan en el espacio, un salto, un movimiento, un gesto, una esquina, un hueco.

Estos escenarios enigmáticos, fragmentados y los personajes que participan en él son como representaciones de estados de ánimo, de la mente, como un psicoanálisis. Son como fotogramas extraídos de un sueño. Me interesan esos instantes, esos momentos extraídos a modo de fotogramas para luego construir una narración no lineal, de manera que cada fotograma pudiera derivar en otras historias.

El transfondo que apoya la construcción de estas piezas es un gusto por los juegos visuales y narrativos que planteen enigmas y requieran una interpretación.
Creo que la ficción es una metáfora de la realidad, creo que hay ficciones más reales que la vida misma, la ficción nos permite reinventar.

La ficción puede tornarse perversa, irónica, bajo su aparente insignificación al presentarse como ficción (y por tanto irreal), siempre queda la inquietud de imaginar que eso pudiera ser real, que verdaderamente provocara un daño, una modificación, un cambio en el espacio y en sus individuos. La ficción puede ser siniestra como la imagen, y una imagen es más siniestra en cuanto se parece más a lo real.

Cuando tenemos claro que una imagen es ficción, no nos inquieta, no nos abruma, pero en el momento en que nos preguntamos ¿esto es real?, ¿de verdad sucedió?, se crea en nosotros un temor, el miedo a identificarnos con lo que allí sucede, lo que nos podría pasar a nosotros.

Nazaret Umpiérrez del Río

Susan Sontag

2009-07-17T12:31:00.000-07:00

En relación al post que publiqué hace unas semanas sobre la fotógrafa Annie Leibovitz, no menos merece la vida y obra de quien fue su compañera sentimental, la escritora, ensayista y directora de cine Susan Sontag.
Sólo he tenido oportunidad de leer uno de sus famosos ensayos, Sobre la fotografía, interesantes y frescas reflexiones de la escritora en torno a la relación de las sociedades con la imagen, cómo ésta afecta a la vida política y social.

Sin más dejo un poco de su biografía y un pequeño vídeo que la resume:

(Nueva York, 1933) Escritora y directora de cine considerada una de las intelectuales más influyentes en la cultura estadounidense de las últimas décadas. Su padre, Jack Rosenblatt, que había trabajado como comerciante de pieles en China, murió de tuberculosis pulmonar cuando Susan tenía apenas cinco años. La niña recibió el apellido del hombre con quien su madre se casaría siete años después: el capitán Nathan Sontag.

En esos días, la familia se instaló lejos de Nueva York, en lugares que parecen simbolizar la antítesis de esa ciudad: Tucson, Arizona, y Los Ángeles, California, fueron las primeras residencias de la niña. Sontag fue una estudiante precoz; a los quince años, ya había terminado sus primeros estudios e ingresado en la Universidad de California en Berkeley.

Susan Sontag

Su estancia no duró mucho, pues un año después, en 1949, pidió el traslado a la Universidad de Chicago, donde se licenció en letras en 1951. Para entonces, ya se había casado con Philip Rieff, profesor de sociología. La pareja se mudó a Boston poco después del matrimonio, para que Sontag continuara sus estudios en la Universidad de Harvard. Allí nació su hijo David (1952), también escritor.

Entre 1955 y 1957 Sontag cursó el doctorado en filosofía y, además, trabajó junto con su marido en el estudio Freud. La mente de un moralista, que de alguna manera puede considerarse su primera publicación; al mismo tiempo, sin embargo, su matrimonio comenzó a fallar. Sontag y Rieff se divorciaron a fines de los años cincuenta, y en 1957 ella viajó a París para continuar sus estudios en la Sorbona. Tenía veinticuatro años y había vivido en cinco ciudades.

Cuando regresó a Nueva York, Sontag comenzó una carrera académica que parecía acorde con su preparación, pero no tanto con sus intereses: tras iniciarse como conferenciante de filosofía en el City College y en el Sarah Lawrence College, pasó a la Universidad de Columbia, donde fue profesora en el Departamento de Religión durante cuatro años.

Fue una época definitiva: Sontag había comenzado a escribir con intenciones serias, y en 1963 apareció su primera novela, El benefactor. El libro le abrió las puertas de varias publicaciones neoyorquinas: durante los años sesenta, escribió con frecuencia para Harper’s y The New York Review of Books, entre otras, pero sobre todo fue una especie de colaboradora de planta de The Partisan Review.

El momento histórico no podía ser más propicio: la intelligentsia estadounidense ya había comprendido la importancia cultural de los años sesenta; los lectores buscaban afanosamente firmas capaces de interpretar lo que estaba ocurriendo. Sontag fue una de las voces más autorizadas, pues exploraba la distancia que hay entre la realidad humana, cultural, artística y nuestra interpretación de esa realidad. En 1968 apareció el libro que reunió esos ensayos, Contra la interpretación, que se convirtió inmediatamente en bandera (o, al menos, en una de las banderas) de su generación.

Ensayista de una generación

El eje del libro es una oposición radical a la búsqueda de significados en la obra de arte, y la defensa de la intuición como medio para acercarse a la experiencia del fenómeno artístico. Con él, Sontag adquirió una reputación de intelectual independiente y al mismo tiempo se reveló como una mujer capaz de reinterpretar la vida americana a la luz de las culturas clásicas europeas.

La mezcla no era, ni es aún, usual; y desde ella, desde su nuevo estatus como comentarista eximia de la cultura estadounidense contemporánea, Sontag renovó el ensayo sofisticado y cosmopolita y lo transformó en un instrumento capaz de indagar en las drogas y en la pornografía, en la política y en la literatura occidental. Estos temas forman parte de su segundo libro de ensayos, Estilos radicales, publicado en 1969.

En ese momento, muchos la veían como la intelectual reina de Estados Unidos. No era para menos: como artista y como pensadora, Sontag seguía extendiendo su campo de influencia. En uno de sus ensayos había escrito con admiración acerca de Ingmar Bergman, y el cambio de década la vio estrenándose como guionista y directora de cine. Sus películas Duelo de caníbales (1969) y Hermano Carl (1971) fueron realizadas en Suecia, país del que llegaría a ser algo así como una ciudadana adoptiva.

Después visitó Israel, donde rodó Tierras prometidas (1973), un documental sobre las tropas israelíes en losAltos del Golán. Ninguna de estas tres producciones recibió la atención prevista, aunque su realización dio lugar a uno de los ensayos-clave de la época: Sobre la fotografía (1977). El libro, una nueva reinterpretación sontaguiana del mundo, no venía ilustrado con fotografías; en él, la escritora reivindicaba la potencia y la autoridad de la palabra escrita.

Activismo y compromiso

Por esas fechas, la autora tenía otras preocupaciones perentorias, pues llevaba varios meses enfrentándose a un cáncer. Al tiempo que soportaba el arduo tratamiento contra la enfermedad, Sontag, como todo escritor genuino, ponía la experiencia por escrito. El resultado fue La enfermedad y sus metáforas. Diez años más tarde, el ensayo fue ampliado con El sida y sus metáforas. Ambos textos examinan la forma en que los mitos de ciertas enfermedades crean actitudes sociales que pueden resultar más dañinas para el paciente que las enfermedades mismas.

A fines de los años setenta Sontag fue nombrada miembro de la Academia Americana de las Letras. Su papel como activista de los derechos humanos empezaba a ganar en intensidad; a partir de entonces, su presencia pública se hizo más frecuente, y más frecuente fue también su implicación en organizaciones, tanto literarias como políticas.

Entre 1987 y 1989 presidió el Pen American Center. La labor que llevó a cabo desde allí, a favor, sobre todo, de escritores encarcelados, anticipó su papel de figura pública, que se hizo palpable durante la década siguiente, y quedó condensado, sobre todo, en su viaje a Sarajevo, una de las demostraciones más célebres y mediatizadas de compromiso de un escritor con el mundo.

Para cuando llegó a los escenarios de la guerra, además, Sontag ya había publicado El amante del volcán (1992), una novela que se convirtió en best-séller; de manera que la mujer que montó Esperando a Godot en un teatro bombardeado y a la luz de las velas en medio de Sarajevo, una ciudad sitiada por la guerra, era mucho más que una ensayista para minorías. Tras pasar allí varias temporadas, Sontag fue nombrada ciudadana honoraria de Sarajevo.

En 2000 Sontag publicó su cuarta novela, En América, la historia de una inmigrante polaca del siglo XIX. La novela recibió el National Book Award, y al año siguiente mereció el siempre polémico Premio Jerusalén. En 2003 la autora compartió el Premio Príncipe de Asturias de las Letras con la marroquí Fátima Mernissi, y fue galardonada con el Premio de la Paz que otorgan los libreros alemanes. El año anterior había aparecido Ante el dolor de los demás, un breve ensayo que une dos de sus obsesiones: las imágenes y la guerra. El libro defiende el derecho de los hombres a cerrar los ojos ante las imágenes de violencia que los asedian todos los días. Todos saben, sin embargo, que Sontag ha dedicado su vida a practicar exactamente lo contrario.

La posición de Susan Sontag en la literatura estadounidense es un lugar de conflicto: en un país al que los escritores no suelen importarle demasiado, Sontag ha motivado debates de altura y diatribas descarnadas acerca de su obra, por supuesto, pero sobre todo acerca de su persona. En Estados Unidos, el hecho de que un novelista intervenga en política, interior o internacional, no es bien recibido.

Sontag ha ido mucho más allá: ha visitado países en guerra; ha fustigado a los gobiernos estadounidenses con tanta dedicación como ferocidad; ha asumido, en definitiva, el papel de portavoz del intelectual comprometido. Desde su posición de neoyorquina arquetípica, ha ido por el mundo representando una ética del intelectual contemporáneo que no es frecuente, y la ha acompañado con textos de calidad constante y de naturaleza siempre controvertida.

Fuente: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/sontag.htm

http://www.youtube.com/watch?v=jS4d1jFc7AQ

En torno a las pulsiones y la actividad artística como terapia

2009-07-14T04:56:00.000-07:00

El cuerpo (y la mente) son construcciones fundamentalmente sociales y culturales.
A raíz de la lectura de algunas obras de Judith Butler, intelectual y destacada pensadora feminista, como Deshacer el género, y relacionándolo con el tema de las pulsiones, extraigo diversas reflexiones en torno a la naturaleza de la construcción humana.

Las pulsiones se hacen presentes en el aparato psíquico y son controladas, reprimidas y reducidas mediante las leyes hegemónicas existentes.
Creo que la violencia es algo presente e innato en todo individuo, es una pulsión, es natural en el ser humano, sólo que este es medido y controlado mediante las influencias sociales y culturales.

Esto me recuerda a un debate que mantuve con una profesora de escultura durante la facultad, a la que yo le decía que pensaba que la violencia era natural, ella me miró con ojos sorprendidos como si lo que estuviera diciendo fuese un disparate.
Que la violencia pueda o no ser beneficiosa para la convivencia en sociedad (para ello es controlada y castigada), no quiere decir que sea propio de desequilibrados mentales.
El cuerpo y por derivación el sexo, no tiene lugar, no es reconocido en el espacio público, no puede manifestarse en él como tal. El cuerpo es controlado hasta en el espacio privado. Adquirimos unas conductas de comportamientos de nuestros cuerpos, cómo debemos cubrirlos (dependiendo del género, aunque éste como tal lo hayamos limitado a una dualidad única de hombre-mujer), como debemos caminar, sentarnos, movernos, mirar o hablar, con quién debemos acostarnos y con quién no.
Me produce escalofríos pensar hasta qué punto no somos individuos, sino productos de una construcción social y cultural prefabricada, de cómo dependiendo de la cantidad de represión que hayamos sufrido de nuestras pulsiones naturales desarrollaremos carencias, angustias y ansiedades.

El arte es un arma contra las represiones sociales de las pulsiones, el arte, bajo esa capa de bonito e insignificante saca a relucir todas nuestras más crudas realidades, nuestras carencias, ansiedades y represiones. El arte es fundamentalmente dramático.
El arte nos permite transformarnos, explorarnos y acercarnos a nosotros mismos como no podríamos hacerlo de cualquier otra manera.

“Nunca estamos exactamente presentes ante nosotros mismos o ante los otros. Por tanto, no somos exactamente reales para el otro, no somos siquiera bastante reales para nosotros mismos. Y esta radical alteridad es nuestra mejor oportunidad de atraer y de ser atraídos por los otros, de seducir y de ser seducidos. Dicho simplemente, nuestra oportunidad para la vida”.

Esta cita me invita a pensar en torno a la poca evidencia del ser humano. Un sujeto nunca es evidente, siempre puede sorprenderte y a la vez sorprenderse a sí mismo. Creo que son las preguntas y no las respuestas, las que arrojan significado a la existencia.

Nazaret Umpiérrez del Río

Visionado de trabajos del XXII concurso EFTI

2009-07-10T11:25:00.000-07:00

Enlace a los visionados de los trabajos ganadores y finalistas del XXII concurso EFTI que ya había mencionado.
El trabajo que me fue seleccionado aparece en el séptimo lugar comenzando por debajo.

http://www.efti.es/site/microsite/concurso_junio09/index.html

Finalista concurso EFTI

2009-06-24T16:53:00.000-07:00

Hace unos días presenté la serie Pink´s portraits al XXII concurso EFTI de fotografía, cuyos premios consistían en el regalo del Máster Internacional de fotografía de la misma escuela (en el caso del primer premio) y el descuento del 50% del mismo máster (en el caso del segundo premio). Luego se mencionaban a 3 finalistas principales y una veintena de finalistas.

A concurso se presentaron 135 obras, y entre los premios y finalistas sumaron 31 propuestas, de entre los cuales se escogió mi trabajo.
No es un gran logro, pero teniendo en cuenta que vengo del curso básico y que generalmente se presentaron alumnos que están terminando estudios avanzados en la escuela, no me puedo quejar.

¿Suerte de principiante?, me conformo!.

Annie Leibovitz en Madrid

2009-06-20T04:21:00.000-07:00

Había comentado hace unos días que se está celebrando en este mes de Junio y el próximo el festival internacional de fotografía PhotoEspaña 2009 en Madrid. Ya he visto muchas de las muestras que se ofrecen en las sedes oficiales y galerías, pero ninguna me ha hecho disfrutar tanto como la que fui a ver ayer por la tarde en la Sala Alcalá 31.
Hace dos días se inauguró en dicha sala una antología de la famosa fotógrafa estadounidense Annie Leibovitz, fotografías como la de Jonh Lennon desnudo abrazado a Yoko Ono horas antes de que el músico fuera asesinado y publicada en la revista Rolling Stone, es una de las instantáneas que elevaron el estatus de la fotógrafa.

Para los que conozcan un poco a Leibovitz sabrán que es muy conocida por fotografiar a infinidad de famosos (actores, actrices, políticos, fotógrafos, artistas, etc), pero se conoce menos la otra parte de su fotografía, la personal.

En la muestra que presencié ayer tarde en la Sala Alcalá 31 (formada por unas 200 instantáneas) la fotógrafa no solo nos ofrecía sus trabajos profesionales o comerciales, que por cierto, geniales casi todos ellos, sorprendente en algunas de ellas la iluminación y nitidez (la fotografía de Demi Moore desnuda y embarazada parece casi una pintura de la riqueza cromática y presencia que posee), sino que también podíamos "presenciar" su vida privada a través de fotografías familiares e íntimas (como las de su vida con la que fue su compañera también famosa, la escritora Susan Sontag, mostrando fotografías de sus viajes juntas a Sarajevo, Egipto, París, etc. así como los últimos dias de vida de Sontag).

Fueron todas esas tomas familiares y privadas las que me pusieron los pelos de punta, en especial un retrato que la fotógrafa hizo a su madre, y muchas de las instantáneas que hizo en sus viajes con la escritora, para luego, llegando casi al final del recorrido de la muestra, ver una serie de imágenes de Susan en la cama del hospital, con mirada apagada. Fue como ver una película a través de fotogramas, pero como si no estuviera montada aún.

Si tienen la oportunidad, recomiendo a Leibovitz antes que cualquier otra muestra del festival, que aunque tiene trabajos muy buenos de una gran diversidad de fotógrafos, ésta es de las mejores bajo mi punto de vista. Ayer tarde tuvimos que esperar cola debido a la cantidad de gente que acude a esta exposición, y cuando salimos de ella, había todavía más en la puerta y alrededores.

Mi consejo, ir con tiempo, pues son mas de 200 instantáneas que merecen la pena disfrutar sin prisas.
http://www.elpais.com/articulo/cultura/retratos/Susan/Sontag/ayudaron/superar/muerte/elpepucul/20090619elpepicul_2/Tes

primeras prácticas de iluminación

2009-06-10T16:08:00.000-07:00

Hoy en clase hemos estudiado el control de la luz con fotómetro de mano y luz continua. Algunas nociones de la utilización del fotómetro, una lámpara de tungsteno, un paraguas, un panel para reflejar la luz y cómo no, un modelo.

Esta es la toma más interesante que capté para mi gusto.

PhotoEspaña09

2009-06-03T05:38:00.001-07:00

No me ha podido coincidir mejor mi estancia en Madrid con mis ganas de ver lo más nuevo, al menos en lo que a fotografía se refiere. Hoy comienza el XII Festival Internacional PhotoEspaña y ya me he comprado la guía de fotógrafos y exposiciones para recorrer las salas y galerías en las que se enmarca la producción del festival. Para los interesados les dejo una breve introducción al programa del festival de este año:

Madrid se vuelve a vestir de fotografía: PHotoEspaña 2009 se celebrará del 3 de junio al 26 de julio y ofrecerá en su duodécima edición una propuesta con 72 exposiciones, 31 en la Sección Oficial, 6 en otras salas y 35 en el Festival Off repartidas en un total de 60 espacios expositivos entre museos, galerías, centros de arte y salas de exposiciones. Participarán en el Festival 248 artistas y creadores de 40 nacionalidades.

La Sección Oficial de PHE09 desarrollará el tema de Lo cotidiano. El Festival contará con exposiciones de artistas de diferentes generaciones, procedencias geográficas y tendencias estéticas y conceptuales, centrándose preferentemente en producciones recientes pero mostrando también momentos históricos en que la conexión entre lo fotográfico y lo cotidiano han adquirido una especial importancia. La Sección Oficial se completará con exposiciones históricas y de grandes maestros y abrirá de nuevo sus puertas a proyectos invitados. Por su parte, el Festival Off reunirá las mejores propuestas expositivas de las principales galerías de arte de Madrid.

La nueva edición de PHotoEspaña consolida sus sedes de Madrid, Lisboa y Cuenca. En esta edición, el Museu Colecção Berardo de Lisboa, participará en el Festival con dos exposiciones; Cuenca, sede de PHotoEspaña por tercer año consecutivo, acogerá OpenPHoto, programa de exposiciones formado por propuestas de embajadas e instituciones de 8 países; y como novedad, Alcalá de Henares se incorpora al Festival acogiendo los talleres de fotografía de Campus PHE.

PHE09 profundizará de manera especial en los Programas pedagógicos y profesionales. Se incorporará a la oferta del Festival Campus PHE Edición de Libros, un programa para proyectos editoriales que tendrá lugar en el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo en Móstoles y que se une a Campus PHE Grandes Maestros, talleres de fotografía y clases magistrales que se celebrarán en Alcalá de Henares. Además, Descubrimientos PHE amplía su convocatoria y celebra visionados de porfolios en Lima y México DF. Por primera vez, PHotoEspaña y la Fundación Banco Santander organizan un Programa educativo para jóvenes en el que participarán 198 alumnos de 6 institutos de Madrid. Los Programas para públicos, dirigidos a personas de cualquier edad y formación interesados en la fotografía, incluirán visitas guiadas y programas familiares. La Fundación Canal organizará el concurso El agua de Madrid y talleres de fotografía para niños y jóvenes.

Este año la organización asume un nuevo reto, la difusión y proyección internacional de PHotoEspaña organizada en torno al programa PHotoEspaña Internacional. Este ambicioso plan, que se desarrollará en parte fuera de los meses de junio y julio, fechas tradicionales del Festival, promueve la difusión de las exposiciones y los programas profesionales más allá de las fronteras españolas. La programación expositiva de PHE09 contará con dos sedes fuera de España. Portugal acogerá de nuevo dos exposiciones de la Sección Oficial y, por primera vez, Italia será sede del Festival con el apoyo de la Consejería de Cultura, Deporte y Turismo de la Comunidad de Madrid dentro del programa Made in Mad, en Milán a partir del mes de octubre. La internacionalización se aplica también a los Programas pedagógicos y profesionales. Así, PHotoEspaña organiza el visionado de porfolios Descubrimientos PHE Madrid, Lima, México DF con el apoyo del Instituto Cervantes, la AECID (Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo), el Centro Cultural de España en México DF y el Centro Cultural de España en Lima.

Fuente: http://www.elpais.com/articulo/cultura/vida/cotidiana/protagoniza/PHotoEspana/2009/elpepucul/20090325elpepucul_3/Tes

Página oficial del festival: www.phe.es/festival/

En Madrid

2009-06-01T05:23:00.001-07:00

Ya comenté en un post publicado en el mes de Marzo que en Junio estaría por la capital española, y así es. Llegué hace dos días y hoy he tenido la primera clase en la escuela EFTI de fotografía.

Por lo que descubrí hoy, la EFTI además de escuela también es sala de exposiciones y justo al entrar al edificio te encuentras con una exposición que se realiza cada mes de diferentes fotógrafos, tanto profesionales como de alumnos de la escuela (este mes expone un fotógrafo profesional de nacionalidad cubana, tiene tomas muy buenas que giran en torno a la visión que tiene el hombre cubano de la mujer, realizadas en las calles del propio país).

Las aulas dedicadas a los cursos de fotografía digital (pues en la escuela se imparte también fotografía analógica) disponen de un ordenador "iMac" por alumno para los trabajos de edición, varios platós para realizar prácticas voluntarias por tu cuenta con disponibilidad de un "tutor de guardia" para dudas o aclaraciones si lo necesitas, biblioteca con opción de préstamos y wifi. Además cada Viernes se realizan actividades dentro de la escuela para todos los alumnos (conferencias, proyecciones, etc), así como descuento en algunas tiendas de fotografía.

Ya me habían hablado muy bien de esta escuela y por eso decidí venir para conocer el ambiente, y lo cierto es que la primera impresión está más que bien. Ya contaré más cuando acabe el curso.

Ahora aprovechar los ratos libres para verme exposiciones y llevar la cámara por ahí para ir practicando lo aprendido en clase.

Para interesados dejo por aquí la página web de la escuela:

www.efti.es

Retomando actividades

2009-05-26T13:33:00.000-07:00

Por fin he retomado la música que había dejado abandonada hace cuatro años, el cargo de conciencia no se me ha ido durante esos años, aunque en la facultad siempre estuve en contacto aunque sea mediante la lectura de artistas que utilizaban la música o el sonido como elementos en sus piezas, o mediante la obra de Jonh Cage.

Esta vez me decidí por un intrumento moderno y de sonido elegante, bajo eléctrico. Los registros semigraves siempre me han llamado la atención, la primera vez escogí violín después de que me dijeran que no había violoncello, y también probé con el trombón, ambos instrumentos con el mismo registro que el bajo, y esta vez me apetecía aprender a tocar musiquita moderna, así que me decidí por este último.

Hoy tuve la prueba de acceso (la escuela ya se está llenando de gente en comparación con hace unos años), tocar un par de notas de algunas canciones de Coldplay que me había estado estudiando con un programita de ordenador bastaron para ser admitida de inmediato (en tres días que llevo tocando no me quejo).
Sólo espero no volver a abandonar la música, aunque sea llevándome a partir de ahora el bajo allá donde vaya.

Como complemento al post de "mujeres batería", algunas mujeres bajistas, que tampoco es muy común por los escenarios: De arriba hacia abajo, Kim Deal, Karin Axelsson, Kim Gordon, "Luli", Patricia Morrison, Melissa Auf der Maur, D´arcy y Trish Doan.
Como siempre, si queréis añadir a la lista, dejen en "comentarios".

"Mi trabajo es homosexual y político"

2009-05-04T04:02:00.000-07:00

Hoy he decidido dedicar un pequeño espacio (no por ello menos importante) a una fotógrafa que trabaja con un concepto tan efímero y cambiante como es la identidad.

La primera vez que leí el nombre de Catherine Opie fue en los vagones del metro de Nueva York (hace seis meses), se estaba celebrando una muestra de la fotógrafa en la ciudad, pero para entonces mis dias en ella ya se estaban agotando y finalmente no pude asistir.
Cuando llegué a España la busqué en internet y me arrepentí aun más de no haber aprovechado.

Creo que no hay mejor presentación que una breve entrevista donde la propia artista hable de su obra, así que sin más espero que les sea interesante:

-¿Existe un fundamento biográfico en sus series de retratos, o en su serie Domestico? ¿Hay además algo de ironía sobre aquello que tradicionalmente constituye un hogar o una familia ideal?

-Mi trabajo trata sobre el “salir a la luz” y la importancia de la visibilidad para una comunidad que no se comprende. No creo que Doméstico sea irónico, salvo que la ironía esté en presentar imágenes de lesbianas en casa. No tiene por qué ser necesariamente un marco heterosexual, pero desde luego es algo que deseaba. Finalmente, este año mi compañera y yo nos compramos una casa y en febrero di a luz a un hijo, Oliver, y todo esto era algo que yo deseaba, partiendo del autorretrato de 1993 y de la serie Domestico.

-¿Estaría de acuerdo con el lema “lo personal es político”?

- Puede ser. Yo he hecho un trabajo muy personal que funciona políticamente. Creo que gran parte del trabajo homosexual funciona de este modo.

-¿Cree que la fotografía es un medio favorable para plantearse preguntas que afectan a la identidad?

-Creo que la fotografía es un medio interesante para debatir las cuestiones de identidad, por el aspecto de realidad que supone. Desde que se inventó, ha sido una gran fuente histórica de la forma en que vemos nuestras vidas y nuestro tiempo.

-En estos momentos se está celebrando una exposición con sus últimos trabajos, Skyways and Icehouse. ¿Están relacionadas estas obras con la serie Los ángeles mini-malls? ¿Cómo los relaciona con la cuestión de la identidad?

-Está muy relacionado con esta exploración continua de los rasgos de la identidad de las ciudades estadounidenses. Los minicentros comerciales son tan característicos de Los ángeles como las rutas aéreas y las fábricas de hielo lo son de Minneapolis. Lo que a mí me interesa es hacer un conjunto de obras que analice la construcción de la identidad en su relación con la comunidad y la arquitectura.

-¿Podríamos hoy todos sentirnos otros-otras?

-Supongo que muchas personas pueden sentir que son “los otros”. Así es como la sociedad establece un sentido de la norma que puede establecer fronteras, y después uno existe como “el otro”. Yo no soy “el otro”. Realmente creo que mi trabajo intenta desafiar esas contraposiciones y estereotipos que se dan en la sociedad. Sí, hay demasiadas identidades establecidas de antemano, y punto.

Fuente: http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/4976/Catherine_Opie

Shirley Maclaine

2009-04-27T07:36:00.000-07:00

Una de mis intérpretes favoritas después de descubrirla hace unos meses en su actuación en "La calumnia" (The childrens hour, 1961), aunque es una actriz mundialmente conocida me impresionó en esta película su expresividad gestual para interpretar (soy admiradora de este tipo de habilidades, por ello adoro a Charles Chaplin).

Aquí les dejo un poco de su biografía y filmografía.

Bailarina desde muy temprana edad, modelo, actriz suplementaria y chica de revista de Broadway. Tras pasar por el Washington School Ballet y trabajar en el teatro es descubierta una noche por Hal Wallis quien tras verla actuar la hace trasladarse a Hollywood.

Su debut cinematográfico se dio con la película "Pero... ¿quién mató a Harry?" (1955) y no pudo empezar mejor puesto que el director de dicho largometraje fue Alfred Hitchcock quien además alabó el talento interpretativo de la actriz. De este modo se convirtió en estrella desde su primer largometraje.

Su gran expresividad le permite aparecer en los más diversos géneros con cierta facilidad: desde la comedia hasta el drama. Le gusta controlar al máximo su trabajo, es directa y en más de una ocasión ha beneficiado con su popularidad ciertas posturas políticas (sobre todo las de corte liberal). Durante algún tiempo participó en campañas electorales, primero con Robert Kennedy y más tarde con McGovern.

Entre 1971-72 produjo e interpretó una serie de televisión "Shirley's World". En esa misma década entre los años 1974-75 escribirá, producirá y co-dirigirá un documental de largo metraje sobre China, tras un viaje realizado con un grupo de mujeres. El proyecto llevó como título "The other Half of the sky: A China memoir).

En 1976 volvió al teatro con un one-women show y siete años después, en 1983 regresará a la pantalla grande para trabajar junto a Jack Nicholson en "La fuerza del cariño" de James L. Brooks, interpretación que le valió un Oscar como mejor actriz. Anteriormente había estado nominada en la misma categoría por "Como un torrente", "El apartamento", "Irma la dulce" y "Paso decisivo".

Además de actriz ha sido directora, productora y novelista; escribió dos volúmenes de memorias publicados en 1970 y en 1974. Destacó sobre todo en la comedia musical aunque quizás no le dedicó el suficiente tiempo a este género. En su momento estuvo un tanto marginada por su físico, sus manías y cierta facilidad próxima a la vulgaridad pero su desenvoltura y su buen hacer dejan un dulce recuerdo de sus trabajos.

Como dato curioso podemos destacar que es la hermana mayor del popular Warren Beaty.

Fuente: http://www.todocine.com/bio/00057065.htm docine.com/bio/00057 065.htm

Silencio

2009-04-22T05:19:00.000-07:00

Ya se está celebrando, desde el mes de Marzo, la Segunda Bienal de Canarias de Arte, Arquitectura y Paisaje. La primera bienal, celebrada el pasado año, me pareció bastante interesante, fresca y actual, me compré el catálogo y participaron muchísimos artistas conocidos y no tan conocidos con algunas propuestas bastante buenas.

Este año por lo visto se centran sobre todo en el Paisaje y juegan además con la idea del silencio.

La única queja por mi parte es que, como siempre, todos los seminarios se celebran en las islas mayores, Tenerife y Gran Canaria, perfectamente entendible que la mayoría se celebren en ellas, pues hay mayor población, pero creo que sería bueno dedicar o incluso intentar repetir los seminarios más destacados en las islas menores para que todos podamos disfrutar y participar de esta recién nacida bienal que parece prometer un cambio en la arquitectura arte y paisaje del archipiélago.

Aquí dejo una introducción que explica brevemente el contenido de la bienal:

El objetivo primordial de la Segunda Bienal de Canarias se centra en una serie de reflexiones sobre el Paisaje Contemporáneo desde una posición crítica que permita interpretar el territorio y contribuir a crear un laboratorio continuo de investigación y análisis en el ámbito de la Macaronesia y del Archipiélago Canario en particular.

Concebimos el paisaje como experiencia individual, sentimos el ambiente que nos circunda, vivimos el espacio-territorio en modo personal, cargado de sentidos y de memorias, de momentos tópicos; pero al mismo tiempo necesitamos de la mirada pública de la dimensión social capaz de garantizar el sentido de nuestro devenir (in-out) interno y/ó externo a nosotros mismos.

La Bienal de Canarias afronta esta segunda edición a partir del concepto del “silencio”. “Silencio” no como oposición al ruido-rumor, ni como intervalo entre notas, ni como una actitud místico – religiosa; “silencio” como el espacio capaz de comprender los sonidos y las ausencias en esta doble apreciación del paisaje social y personal, ausencia de sonidos intencionados (J. Cage). “Silencio” también como límite entre crecimiento y desarrollo entre producción y consumo (colectivo ”silence”).

El mundo resulta cada vez más ruidoso; crecen los contrastes y la dificultad para el hombre de relacionarse con la naturaleza, con el ambiente; la necesidad de comprender que alejarse del “silencio” puede ser peligroso y devastador.

Esta Segunda Bienal pretende desvelar claves de lectura desde el pensamiento contemporáneo, generando lugares de encuentro multidisciplinares, seminarios y debates a partir del “silencio”; argumento elaborado a partir del engranaje de dos exposiciones simultáneas ofreciéndonos la capacidad y paciencia del ser humano de escuchar la música del paisaje, de percibir y extraer del “silencio” la armonía o conflictos en su composición y proyectos y descubrir las formas del silencio (C. Pardo).

Pero la cultura cambia, cambian los medios técnicos, las relaciones con las formas físicas del territorio adecuándose a la necesidad e interés de los hombres en cada momento, al hecho por una parte de estar el espacio “físicamente construido” y de las necesidades biológicas universales. Quizá esto sea lo que necesitamos reconocer como condiciones básicas primarias para escuchar al PAISAJE.

Fuente:http://www.bienaldecanarias.org/downloads/BASES_MOVILIDAD.pdf

El programa Metrópolis, perteneciente a TVE que se emite todos los Domingos a una hora indecente de la noche (como todos los buenos programas de este país) ha dedicado uno de sus programas a esta segunda bienal y creo que es muy, muy interesante, (Duración 29 minutos).

Aquí les dejo un enlace al vídeo que creo que merece la pena ver.

http://www.rtve.es/alacarta/todos/abecedario/M.html#461710

Cindy Sherman

2009-04-20T15:25:00.000-07:00

La obra de Cindy Sherman supuso la fulgurante reanimación de la fotografía escenificada a finales de la década de los setenta. En 1977 logró conquistar a un amplísimo público con sus Untitled Film Stills, 69 tomas en blanco y negro de pequeño formato que mostraban a la artista en distintos roles femeninos que recuerdan vagamente a las heroínas cinematográficas de las películas holliwoodenses de los años cincuenta .

La serie ponía sobre un tapete lo limitado e intercambiable de los estereotipos masculinos sobre la feminidad, así como su reduplicación mediática a través del cine y la televisión.

Con la aproximación a lo absurdo y lo grotesco la obra posterior de Sherman ha hecho suyas determinadas tradiciones de la fotografía surrealista que van de Hans Bellmer a Claude Cahun. A lo largo de las tres últimas décadas la artista ha desarrollado un complejo juego de roles de inquietante intensidad que plantea en diferentes contextos la cuestión de la fijación de la identidad femenina en la sociedad.

En los años ochenta y noventa del pasado siglo sus representaciones de violencia y sexualidad ( para las que se valía de diferentes máscaras y prótesis), dieron pie a no pocas controversias. La estética feista propugnada por Sherman se vio intensificada con una serie de fotografías de marcados acentos pictóricos en los que recogía a modo de bodegón , materiales como excrementos, mucosidades, sangre, penes protésicos, en una prefiguración de “plagas” contemporáneas como el SIDA o la anorexia.

En una de sus últimas series de imágenes “Untitled” / Clowns (2004)que ahora se presentan, Sherman vuelve a utilizarse a sí misma como modelo. Se trata de dieciocho instantáneas chillonas manipuladas digitalmente que muestra a la artista con diferentes caracterizaciones de payaso. A la ambigüedad tragicómica de sus diferentes caracterizaciones se añade con ellas la puesta en tela de juicio del papel del artista en la sociedad. Cindy Sherman parece preguntarse y preguntarnos "¿ Son los artistas hoy los bufones de la sociedad del espectáculo”.

Fuente: http://www.explorafoto.com/2006/programa/cindysherman.html

Lo que más me gusta de la obra de Cindy Sherman y en ello me centro al seleccionar las fotografías que dejo al final, son aquellas en las que la artista captura el momento a modo de still cinematográfico, me refiero a aquellas imágenes que capturan un momento que, aunque a priori parece que muestren una actividad cotidiana e inocente, esconden elementos (ya sean debido a un gesto, una mirada, una posición o ambiente) inusuales o inquietantes que parecen alertarnos de que algo está a punto de suceder.

En las fotografías en blanco y negro que dejo a continuación se refleja bien lo que comento, fíjense especialmente en las caras de las mujeres que en ellas aparecen, pues creo que es clave a la hora de construir ese juego de siniestralidad que busca Sherman.

Mujeres batería

2009-04-16T06:26:00.000-07:00

Hoy vengo hablando de música, tema que no he tratado aún en el blog aunque es un campo que me gusta bastante. Hace unos años estuve tomando clases de solfeo y aprendiendo un poco de violín, pero al irme a Granada a estudiar la carrera lo dejé aparcado y no lo he retomado más (aunque realmente quería estudiar Violoncello, pero en ese entonces no había en la escuela).

Lo cierto es que ultimamente me está picando el tema de la batería, es un instrumento que realmente siempre me ha gustado pero que nunca me he planteado probar, (a veces creo que tengo graves problemas de curiosidad, me dan ganas de aprender de casi todo).

A raíz de esto, y cumpliendo con mi lado feminista, me apeteció dedicar un espacio aquí a las mujeres que conozco que tocan la batería (pues no son tan frecuentes como sus colegas masculinos) en grupos o que aunque no la toquen como instrumento principal la saben ejecutar perfectamente (como es el caso de Eva Amaral).

Para todos/as los curiosos/as (que coñazo el tema del género), que les interese el tema.

Y si conocéis más mujeres que toquen la batería, dejen nombres en "comentarios", cuantas más se conozcan mejor.

De arriba hacia abajo Dee Plakas de L7, Caroline Corr de The Corrs, Eva Amaral, Cindy Blackman (batería de Lenny Kravitz), y Avril Lavigne.

Escapada a EFTI

2009-04-14T03:51:00.000-07:00

Hace unos meses, debido a unos premios de los que fui beneficiaria en un certamen celebrado en la isla de Fuerteventura, se propuso desde la consejería que lleva el concurso difundir la obra de los primeros premios o bien financiarles algún curso o seminario para ampliar la formación de los mismos.
Me reunieron una mañana y por supuesto, elegí ampliar estudios (no siento aún que tenga una obra lo suficientemente desarrollada como para organizar una muestra).

Me sugirieron que me buscara algún curso que me interesara relacionado con alguno de los premios que había conseguido (dos primeros, de fotografía y diseño gráfico respectivamente).
Llevaba tiempo con el ojo puesto en la escuela de fotografía EFTI de Madrid y me busqué algo corto y no demasiado caro que me pudiera financiar el cabildo sin problemas. Un curso intensivo Básico digital, con una duración de 4 semanas y de unos 680 euros se acerca mucho a lo que buscaba.

Consulté con la escuela, hay plazas. Consulté con la consejería, me afirmaron que sí pero que tenían que hablar con el consejero para definir la cantidad que me iban a proporcionar para la financiación.

Lo cierto es que llevo meses con muchas ganas de hacer algo, acostumbrada a la vida en la facultad en la que o bien estaba todo el día en la biblioteca ojeando artistas o bien ideando proyectos, ya siento que estoy perdiendo el tiempo y es una sensación bastante desagradable para mí, por lo que esta escapada a Madrid a una escuela que hace tiempo que "le tengo ganas" a profundizar en el medio que más me interesa (la fotografía), es como un gran respiro al agobio postuniversitario.

Así que el mes de Junio espero estar por la capital española empapándome de todas las muestras que haya en galerías y museos (es lo que me gusta de las ciudades como Madrid, hacerme excursiones solitariamente visitando lo más nuevo del panorama artístico) y desarrollando mis conocimientos de fotografía.

http://www.efti.es/ap2/index.asp

Zoe Leonard

2009-04-02T16:38:00.000-07:00

Zoe Leonard, nacida en Liberty (Nueva York) en 1961, fotografía todo aquello que le rodea, la soledad, la tristeza o la alegría, los problemas cotidianos son parte de sus modelos. No da la espalda a los temas que le asustan, sino que los hace objeto de su objetivo. Pero sobre todo sus fotografías son y serán fotografías, no pretende que sean otra cosa.

El proceso fotográfico está siempre presente en su obra y es que, para la artista, es importante que el resultado sean fotografías y que el espectador las perciba como tal.

Zoe Leonard trabaja generalmente con imágenes durante mucho tiempo, copiándolas en distintos tamaños y papeles, probando diferentes productos químicos y exposiciones hasta que encuentra la impresión final. Nunca las retoca y mantiene las imperfecciones que el proceso fotográfico pueda producir. Todas sus fotos mantienen en la impresión un reborde negro enmarcando y envolviendo lo que se ve, definiéndolo como un fragmento de la realidad y la totalidad de lo que se ha fotografiado.

Los temas que trata la fotógrafa son –según sus palabras- “los que le mueven”: cascadas, el océano, cosas que sobrecogen a la artista… Otras son evidencias de nuestra cultura: cosas que le gustan, disgustan o enojan. Leonard ha mostrado siempre especial interés por los contrastes que se ponen de manifiesto en lo que le rodea: la civilización enfrentada a la naturaleza, lo industrial frente a lo manufacturado, la globalización… Sus primeras fotografías reflejan sobre todo paisajes, pero la crisis del sida le llevó a implicarse en movimientos activistas que le condujeron hacia otra dirección, aunque no de una manera obvia.

Fuente:

http://www.revistadearte.com/2008/12/02/zoe-leonard-fotografias-en-el-museo-reina-sofia/-fotografias-en-el-museo-reina-sofia/

Historia ensimismada

2009-03-31T16:36:00.000-07:00

Hace un tiempo cuando estaba en la facultad, se me ocurrió realizar una especie de "story board" fotográfico con una serie de fotografías tomadas desde el exterior de un hospital cerca de donde vivía.

Lo que me llamó primeramente la atención fueron las figuras borrosas fruto del efecto del material semi-transparente del edificio. Entonces me pare un rato a fotografiar a aquellas figuras (no a las personas, pues aquel efecto "catarata" despojaba de toda identidad a los individuos que allí se encontraban) y me imaginé una pequeña historia.

Esa historia no tiene principio ni fin, es una historia por una historia, es la historia de aquel momento, había un escenario, una iluminación y unos personajes. Al igual que el arte por el arte, la pintura por la pintura, esta es una historia por una historia, una historia ensimismada.

La guardé en mi disco duro y hoy la volví a encontrar.

"Los espectadores rotos"

2009-03-28T08:07:00.000-07:00

Hoy vengo a comentar algo que me irrita especialmente de la preciosa isla en la que vivo.

Fuerteventura cuenta solamente con dos cines en toda la isla, el cual uno de ellos pertenece a una cadena de salas a nivel mundial (Yelmo Cineplex) y es a la que acude la mayor parte de la población (pues el otro cine cuenta sólo con dos salas en el norte de la isla aunque he comprobado muchas veces que suelen traer buen cine).

Lo cierto es que el cine Yelmo, al menos en Fuerteventura, sólo trae películas comerciales (generalmente las que se les suele etiquetar de "americanadas", mal dicho, ya que existe también buen cine americano), y la mayoría de los trabajos del cine español, europeo e independiente nunca llegan hasta esta hermosa isla, y los pocos que llegan suelen ser las "típicas" comedias francesas o españolas al estilo "a la carta" con Javier Cámara, que no quiere decir que me parezca un buen o mal film, sino que parece que todo lo que sea "cine para no pensar" es bienvenido.

Ya en una ocasión presenté una reclamación junto con otras compañeras a la empresa por la casi ausencia de este tipo de cine (buen cine) en la isla y finalmente quedó sólo en eso, en un par de reclamaciones que sólo sirvieron para robarle un poco de tiempo al encargado de la salas.

Y aquí estamos, esperando a ver si por casualidad nos llega el nuevo trabajo de Almodóvar, pero por lo que veo finalmente nos tocará descargarla por internet, con las imágenes quemadas (con lo bonitos que son los decorados del director manchego) y el audio dos o tres segundos más tarde que la gesticulación de los labios de los personajes.

Después dicen que ha bajado el número de espectadores que acuden al cine, en el caso de Fuerteventura la razón parece obvia, al menos para mí.

Prueba 1 de la "fisheye"

2009-03-26T05:49:00.000-07:00

Hace un tiempo comenté que había adquirido una pequeña cámara "Fisheye" y esperando para acabar el carrete por fin llevé la película a revelar.

La cámara como mejor funciona (me refiero a cuando registra mayor superficie de imagen) es con la luz del día (evidentemente como cualquier cámara) ya que las fotografías que registré con luces de interiores (aún con el flash de la cámara) apenas recoge los primeros planos.

Aquí dejo la mejor imagen que registré (lumínicamente hablando) tomada desde una ventana de mi casa. Lo que más me gusta de la cámara es ese efecto "bouyer" en las que parece como si estuviésemos observando el mundo a través de una mirilla. Me sorprende el registro de la arandela del objetivo (en la parte inferior izquierda de esta imagen) que da la sensación de que hemos tomado la fotografía desde el interior de un túnel.

Otro dato que me sorprendió es que dependiendo de donde te coloques ante el objeto o sujeto a fotografiar la imagen (una vez revelada) aparecerá levemente desplazada hacia la izquierda, derecha, arriba o abajo del rectángulo que es el papel fotográfico.

Una vez realizado el primer carrete de prueba idearé algún pequeño proyecto aprovechando los efectos de la lente que espero contarles más adelante.

Técnicas actuales: fototerapia y videoterapia

2009-03-16T18:41:00.000-07:00

Me gustaría ofrecer una reflexión en torno a dos temas que me interesan muchísimo que son la fotografía y el vídeo, y a mis impresiones en torno a sus utilizaciones como terapia.

Me ha llamado mucho la atención estos dos sistemas como utilización en el arteterapia, pues son medios que existen desde hace relativamente poco tiempo con respecto a otras disciplinas como el dibujo, la pintura o la escultura.

Creo que la fototerapia es una de las estrategias terapéuticas más interesantes para nuestro tiempo debido a su alusión a la vida contemporánea por su acercamiento a lo cotidiano, a nuestro día a día, y a la que es sin duda el medio más representativo de nuestro tiempo.
La fotografía obliga a ofrecer una mirada crítica, es decir, a seleccionar aquello de la realidad que nos interesa. Creo que en una sesión de fototerapia sería muy interesante observar qué es lo que no se fotografía, qué es lo que se deja fuera del encuadre, casi más que lo que se intenta atrapar.

Aquí recurro al acto fotográfico como un recibir el mundo. La fotografía obliga a recibir el mundo, por lo que creo que tiene grandes potencias de socialización y exteriorización, pues no sólo te obliga a recibir el mundo, sino a recibir a sus habitantes, a relacionarte con ellos.
Además de eso la fotografía también obliga a autocuestionarse, a enfrentarse con el sí mismo, a percibirnos desde fuera, es decir, desde el papel de el otro, es ponerse en el lugar del otro. Al crear imágenes, nos creamos a nosotros mismos.

La fotografía ayuda al terapeuta (la fotografía como registro documental para la observación de enfermos mentales) y al enfermo (la fotografía como asimilación del yo y del mundo), de forma que es un medio muy rico en sus posibilidades gracias a sus características objetivas.

También me interesa la fotografía como memoria, su capacidad de persistir cronológicamente, y sobre todo, su capacidad de trasladarnos a la ficción (creo que el pasado es ficción, pues sólo existe en nuestra mente), por lo que creo que tiene grandes facultades terapéuticas para despertar la memoria y el recuerdo.

En cuanto a la videoterapia, creo que también contiene potencia y fuerza, pues el individuo no sólo se percibe en un instante, en un momento en el espacio, sino que es capaz de percibirse también en el tiempo, ser capaz de percibir sus gestos y posturas de manera continuada. Además de todo eso nos permite escucharnos, reconocernos en esa voz, por lo que acrecienta nuestro acercamiento a la realidad, una mirada aún más completa de lo que significa ser.

Creo que estas estrategias terapéuticas son ricas y potentes si se utilizan con los enfermos adecuados, creo que es una buena manera de observar el mundo, sobre todo si se está encerrado en sí mismo, obliga a interpretar lo que está fuera de nosotros y de cómo lo vemos.

Nazaret Umpiérrez del Río

"Trabajo para aprender, no para dar lecciones"

2009-03-16T17:19:00.000-07:00

Hoy he descubierto una fotógrafa que me ha gustado bastante, se trata de Alessandra Sanguinetti, fotógrafa de origen argentino que se formó posteriormente en Nueva York en el International Photography Center.
Después de disfrutar de varias becas actualmente pertenece y colabora con Magnum mientras desarrolla sus proyectos personales.

Lo más interesante de Sanguinetti es su sensibilidad a la hora de captar situaciones banales o cotidianas, destacan sus series El Sexto día y Guille y Belli. Sus fotografías hablan por sí solas así que sin mas comentarios dejo algunas por aquí y un enlace a su página web para los interesados.

Que las disfruten!

http://alessandrasanguinetti.com/

Gran consejo

2009-03-04T05:25:00.000-08:00

Ayer hablando con una buena amiga me hizo conocer este vídeo tan bonito que hace que te entren más ganas de vivir si cabe. Sencillo, claro, bello, genial!.

Que lo disfruten y tomen nota!!

"Mi arte es solo una forma de destruir mi pasado infeliz".

2009-03-01T12:07:00.000-08:00

Siguiendo con mi propuesta de la publicación de la obra de mujeres artistas vengo con una que ha dedicado su vida a un análisis de la misma.

Louise Bourgeois nació en 1911 en Francia y hoy en día sigue trabajando en la ciudad de Nueva York (EE.UU).
Su obra está marcada fuertemente desde sus inicios por una necesidad de autocomprensión personal y familiar, por las vivencias de su infancia y relación con sus padres evocando las pesadillas infantiles.

Bourgeois habla de sí misma, de su vida y experiencias más íntimas, pero con ello nos remite a nuestras propias vivencias, a nuestros propios recuerdos, Bourgeois proyecta de manera universal.

Sus obras más conocidas son sus Femmes Maison, de los años 40 en las que la artista dibuja un híbrido de mujer-arquitectónica donde muestra la casa como lugar de refugio por un lado y de aprisionamiento por otro.
En los 90 trabaja en las Cells, instalaciones en las que la artista crea una especie de celdas en las que distribuye una serie de objetos y elementos que evocan al hogar y a las vivencias de la infancia.

Bourgeois construye a través de la fragmentación, de la desintegración y la reconstrucción, meterse en su obra es meterse en una vida entera marcada por la pesadilla, el recuerdo, el rencor pero también el amor y la intensidad de una mujer que ha dedicado toda una vida a la autoexploración, a sanar heridas mediante el enfrentamiento con sus propios miedos y recuerdos. Bourgeois es una mujer valiente.

Creo que no hay mejor forma de hablar de Louise que lo haga ella misma, por lo que dejo pequeños fragmentos de algunas de sus palabras, esta artista es especialmente interesante, así que animo a que la conozcáis!:

"Mis obras son una reconstrucción del pasado. En ellas el pasado se ha vuelto tangible; pero al mismo tiempo están creadas con el fin de olvidar el pasado, para derrotarlo, para revivirlo en la memoria y posibilitar su olvido"

"Todos los días uno tiene que abandonar su pasado o aceptarlo, y entonces, si no puede aceptarlo, se hace escultor.

“Mi infancia nunca ha perdido su magia, nunca ha perdido su misterio y nunca ha perdido su drama. Todos mis trabajos de los últimos 50 años tienen su origen en mi niñez”

"Me sentí atraída del arte porque me aislaba de las difíciles conversaciones en las que mi padre se jactaba de lo bueno y maravilloso que era... Cogí un pedazo de pan blanco, lo mezclé con saliva y moldeé una figura de mi padre. Cuando estaba hecha la figura empecé a amputarle los miembros con un cuchillo. Considero esto como mi primera solución escultórica. Fue apropiada para el momento y me ayudó. Fue una importante experiencia y determinó ciertamente mi dirección futura."

PD: Este post te lo dedico Yure

"Se dice siempre que uno muere dos veces: una primera vez, y una segunda cuando alguien encuentra una fotografía tuya y ya no sabe quién eres."

2009-02-19T08:10:00.000-08:00

Hoy vengo con un artista que ya había mencionado anteriormente en uno de los post, el francés Christian Boltansky, artista muy admirado por mi parte, por la intensidad, silencio, sensibilidad y recojimiento de sus obras.

Boltansky trabaja con materiales tan cotidianos como la luz, cajas, sábanas, ropa, sombras y sobre todo fotografías de desconocidos, desaparecidos o fallecidos. El sentimiento del recuerdo está inmerso en cada una de sus piezas, trasformando el paso del tiempo que han condenado al olvido a los sujetos de dichas imágenes. Boltansky rescata del olvido asesinados en el Holocausto o sencillamente personas anónimas que ya sólo existen (y ya de manera unicamente visual) gracias a la fotografía.

Pienso que una de las razones por las cuales utilizo la luz es porque ésta es una imagen de la vida y puede extinguirse a cada instante. La vida es muy frágil, es como una vela, es nada; tú tienes algo que es la vida y esa cosa puede en cualquier momento desaparecer, constantemente. Boltansky

Mezclando la religión, lo autobiográfico y lo pasado, el artista construye un ambiente íntimo y silencioso pero tan ruidoso en su intensidad, que hace que todas sus piezas se conviertan en una especie de altar o reliquia religiosa-personal.
Mediante ropa usada y abandonada Boltansky nos habla de la ausencia y presencia, de las personas que una vez habitaron en esas prendas.

Lo que Boltansky me enseña e inspira (y por ello esta admiración que tengo hacia su trabajo) es en que pienso en las ropas usadas de sus piezas como si fueran fotografías. Al igual que una prenda de vestir, un fotografía fue habitada, fue conservada y posteriormente abandonada, existiendo solo visualmente para los otros, de manera anónima, pues como bien dice el propio Boltansky sólo dejamos de existir verdaderamente cuando ya nadie nos reconoce ni siquiera en una fotografía, cuando ya nadie nos recuerde entonces estaremos verdaderamente muertos.

Aquí dejo unos pequeños fragmentos de una entrevista realizada al artista en el que habla un poco sobre diferentes aspectos del arte y el artista, me parecen que son muy muy interesantes sus palabras:

De hecho, soy un artista, y lo que hago es arte, pero para mí la reacción del espectador debe ir más allá del hecho de que está frente a una obra de arte. Debe olvidar que está frente a una obra de arte y tiene que tener emociones que están más próximas a la vida. El problema de un artista, por ejemplo, si yo me pongo a llorar ahora, Ud. se va a emocionar y se va a preocupar, y tal vez se pregunte ¿Qué le está pasando? ¿Por qué llora? ¿Qué se puede hacer? Si estoy haciendo teatro, va a decir que soy un actor malo y no va a sentir emoción. Entonces la vida tiene mucha más emoción que el arte. Por eso, lo que intento hacer es que la gente se olvide que es arte y piense que es vida. Para dar esta impresión de vida. Para dar esta impresión de vida me sirvo de medios artificiales, del arte; no es la realidad, hago teatro; trato de que el espectador en ese momento olvide que está en un museo.

Boltansky y su concepción del significado de ser artista:

Tal vez el hecho de ser un artista sea una manera de luchar contra la muerte. Es una manera que no funciona. Es un fracaso. Cada vez que uno lucha contra la muerte, pierde. Es también un deseo de luchar contra la propia muerte. Cuando uno es artista, esto responde a un deseo de luchar contra la muerte. Al mismo tiempo, cuando más artista es uno, más deviene en su obra. Francis Bacon se parecía a un Francis Bacon. Siempre digo, como una broma, que Giacometti se parecía a un Giacometti. Físicamente, yo me parezco a una caja de galletas. Mientras más trabaja uno, más adquiere existencia. Uno se vuelve su obra, y tal vez esto sea un deseo de no morir, pues uno mismo ya no tiene existencia, sólo es su obra. Uno no es sino su obra.
Creo que el arte es, con frecuencia, un deseo de luchar contra la muerte, y por eso siempre pierde. El arte es perdedor. Es el mismo problema, por ejemplo, en los museos. Si pongo este yesquero en un museo, se le va a preservar, lo pondré en una vitrina, pero ya no será más un yesquero. Porque ¿qué es un yesquero? Es esto. Entonces, cuando algo se preserva, se mata, desde el mismo momento en que uno lo preserva, lo mata.

Boltansky y la enseñanza del arte:

Soy bien malo como profesor. Todos los estudiantes huyen de mí. Se quedan solamente los asiáticos, quizás porque no entienden el francés. Todos los que me entienden se van. Creo que a pesar de esto, de hecho me intereso en la transmisión. La primera cosa que digo cuando llego es «Uds. no tienen nada que aprender y yo no tengo nada que enseñarles». La segunda cosa que les digo es «lo que Uds. tienen que hacer es esperar y esperar.» Y esas son cosas que no son muy optimistas. Creo que no hay nada que enseñar en arte, ni siquiera hay que trabajar, hay que esperar el día en que uno va a poder entender. Hay que esperar ese momento. No enseño nada. Lo importante más bien es estar disponible para la historia. Entonces, bueno, que ellos esperen. Tienen que esperar a saber lo que deben ser, saber comprenderse, aceptarse… no hay ninguna técnica, no hay ninguna regla a enseñar, nada, no hay nada.

Para los interesados les recomiendo la lectura de la entrevista completa en este enlace:

http://www.analitica.com/bitblioteca/mer/boltanski.asp

Serie "Pink´s portraits"

2009-02-17T17:51:00.000-08:00

Dejo por aquí mi trabajo más reciente inspirado en el concepto de identidad. La identidad es un complejo rizoma en el que lo que parece ser único e irrepetible resulta ser una mezcla de nuestra interacción con "el otro" o "los otros". Sólo existimos en la medida en que "somos y estamos" para, por y ante el otro.

La estructura de las fotografías hablan de ese "yo múltiple", de esos "otros yoes", de esa mezcla y fusión.

El sujeto que aparece aquí fragmentado parece distinto en cada fotografía, el "juego de la carne", ¿posible metáfora del hombre cyborg, de los cuerpos contemporáneos, de la transformación de la piel en nuestras sociedades actuales?

Serie "Pink´s portraits"
Fotografía digital, 2009

Pink portrait

2009-02-16T17:46:00.000-08:00

Pink portrait
Fotografía digital, 2009

Autorretrato

2009-02-16T09:20:00.001-08:00

Autorretratos
Fotografía digital, 2007

"Los imaginarios de la fotografía" a través de Serge Tisseron

2009-02-16T03:52:00.000-08:00

Me gustaría comenzar esta reflexión demostrando un especial interés que me han suscitado los textos de Serge Tisseron debido a mi fuerte vinculación con la fotografía en mi trabajo, abriéndome nuevas concepciones de mi visión hacia lo fotográfico.

Comentando las ideas que más me han influido de este autor, empezaré por la idea de la transformación o subjetividad de la imagen que comenta Tisseron, es decir, el producir una imagen que una vez representada se convierte en otra a través de la mirada de otros. Me interesa esa idea de que sea el espectador o receptor de una imagen el que la culmine, el que la dote de un significado último.

En mi proceso creativo me gusta jugar con la mirada del otro, que lo que yo represente en una imagen o una serie de imágenes relacionadas entre sí (que es como normalmente trabajo) se conviertan en las historias de otros. Es esa idea de generar imágenes, con tu propia visión del mundo y lo que te rodea para luego abandonarlas para que “otros” las hagan suyas y se apropien de ellas con sus vivencias personales. Es como bien dice el autor, una forma que tiene el espectador de asegurarse su propia existencia.

Box, fotografía digital, 2007

El siguiente aspecto que atrae a mi atención de Tisseron es el que expone cuando comenta que “la fotografía no debe intentar la integración del mundo sino que, por el contrario, debe constatar su desintegración”. Esa concepción del acto fotográfico como una acción para recordarnos la desintegración de todo lo que nos rodea, de su inevitable desaparición es la esencia misma de la fotografía. Como comenta Roland Barthes en "La cámara lúcida" dejaremos realmente de existir cuando ya no quede una sola imagen en el mundo de nosotros.

La relación que establece el autor entre el placer de la contemplación fotográfica con esa fantasía que nos abarca del deseo de haber estado allí es una relación bastante interesante debido a su alusión de traspasar el tiempo, viajar en él. La fotografía nos permite (y por ejemplo expongo la fotografía de familia) transportarnos aunque sea visualmente a los tiempos de nuestros abuelos, ver el entorno en el que vivían, cómo ha cambiado la ciudad o el pueblo en el que ahora vivimos nosotros, y esa transportación no sería posible sin la fotografía, ya que un edificio o casa antigua puede acercarnos de una forma melancólica a “lo que podría haber sido aquello”, pero no nos ofrece una visualización de cómo eran sus habitantes, o con qué objetos de relacionaban, con qué herramientas contaban para el día a día. Si un edificio antiguo nos ofrece parte de esa información la fotografía nos ofrece más que eso, nos ofrece un sentimiento del tiempo con respecto a la casa, los objetos y las personas que una vez estuvieron allí.

Creo que los conceptos de huella y rastro remiten muy bien a lo que tiene de “personal” la fotografía. La fotografía documental podría ser un ejemplo de huella fotográfica, pues registra un hecho, una acción, un testimonio, un fragmento de la realidad que vemos todos. Sin embargo el rastro es lo que podría denominarse el lado abstracto de la fotografía, es decir, son elementos externos a lo puramente formal. Serían aquellas fotografías que nos producen ese Puctum del que Roland Barthes hablaba, “ese algo” de la imagen que nos produce un pellizco en el estómago. Puede ser una atmósfera, un elemento extraño o siniestro a la manera freudiana, una determinada luz, una pose, un instante mágico o sorprendente, un encuadre, una composición, una sombra…

Un ejemplo de este lado abstracto de la fotografía, de este lado que me atrevería a denominar incluso espiritual de construir fotografías sería el ejemplo que utiliza Tisseron sobre la fotografía en la que Barthes “encuentra” a su madre, “cuando se reencuentra con ella”. Esa comunicación que Barthes mantiene con su difunta madre a través de una fotografía en la que aparece ella y con una edad con la que Barthes nunca la conoció es ese lado espiritual de la fotografía a la que me refiero, en cómo en una imagen alguien puede encontrar algo tan complejo como la esencia de una persona. El Puctum de esa fotografía de su madre es su madre misma, no la madre-cuerpo sino la imagen, el sentimiento y el apego que tenía Barthes de su madre.

La idea del estilo fotográfico es uno de los principales alicientes de un buen fotógrafo. Lo realmente interesante no es reconocer a un fotógrafo en su fotografía, sino reconocer una fotografía de un fotógrafo. Es la búsqueda y construcción de un lenguaje propio (¿y acaso no toda creación se basa en la creación de lenguaje?) se registra, se capta mirando, no viendo. Debemos reconocer al fotógrafo en la imagen, ya sea mediante una luz, unos objetos que se repiten en la obra de ese fotógrafo, mediante la composición o los ambientes construidos. De alguna manera cada fotografía, si se ha realizado mirando, es un autorretrato.

Me ha llamado especialmente la atención las paradojas que comenta el autor relacionando fotografía y muerte, como por ejemplo el hecho de que los líquidos que se utilizan para revelar el papel fotográfico hayan sido utilizados por los antiguos egipcios para el acto de embalsamar. Esa relación produce más de un escalofrío, pues la relación que mantiene la fotografía con la muerte en este caso se podría decir que es más que directa. O el juego de palabras de el revelado con la revelación divina que no dejan de ser meros juegos etimológicos, pero son fuertes impulsadores de metáforas bajo mi punto de vista.

Me gusta la definición de la cámara fotográfica como depredadora. Las mismas definiciones para hablar de la acción fotográfica se relacionan con lo agresivo, como cuando hablamos del disparador, pues la misma palabra alude al asesinato, al crimen, a la agresión. Esa visión de la cámara como una depredadora que devora el mundo, que extrae fragmentos de un todo remite a la vulnerabilidad humana. Nosotros podemos ser devorados, al igual que lo hace la cámara con el mundo o la realidad, por la mirada del otro.

Nazaret Umpiérrez del Rio

Li Wei

2009-02-14T16:15:00.000-08:00

El arte contemporáneo oriental está cobrando cada vez más protagonismo dentro del panorama artístico internacional.

Cang Xin, Cui Xiuwen, Chen Qiulin, Hong Lei, Liang Yuanwei, Rong Rong, Shen Qui, Wang Jin, Xu Heng, Zhu Ming, Zhao Bandi o Li Wei son sólo algunos de estos artistas en actividad que vienen con frescas propuestas a través de la fotografía.

Me centraré brevemente en el fotógrafo Li Wei, uno de los más curiosos e interesantes bajo mi punto de vista. Construye situaciones inusuales y extrañas mediante acciones performativas en las que aparece él mismo sólo o bien acompañado de otros sujetos. Trabaja principalmente con las tensiones entre cuerpo y mente dotando de una fuerte carga psicológica a sus fotografías.

A pesar de que las imágenes parecen ser elaboradas casi por completo en un laboratorio digital a base de complejos montajes, lo cierto es que sorprende este vídeo que dejo por aquí en el que podemos seguir un "Making off" de la elaboración de una de sus acciones y lo que éstas llegan a tener de real.

http://www.liweiart.com/index.htm

Viaje a Nueva York

2009-02-12T15:20:00.000-08:00

Ya comenté en uno de mis primeros post que en Octubre-Noviembre realicé un viaje a Nueva York durante un mes. Como siempre me llevé a mi mejor compañera de viajes, mi Nikon D200 sin la que no salía de la residencia (acabando al final del día con pequeñas molestias en el cuello de llevarla colgada horas), pero no podía arriesgarme a toparme con algo interesante por las calles y no tener la cámara conmigo, ¡en una ciudad como Nueva York podía ocurrir cuanquier cosa!.

Pues hoy me animo ha colgar unas cuantas fotografías de aquella experiencia con esa maravillosa ciudad. Podéis encontrar más en:

http://www.flickr.com/photos/umpierrezdelrio/sets/72157612503083202/

Joel Sternfeld

2009-02-12T05:07:00.000-08:00

Saliéndome un poco de la línea que me he propuesto de ir publicando mujeres artistas poco conocidas fuera de la élite artística, hoy he querido venir con un fotógrafo que me parece muy interesante y compartirlo de una manera breve con ustedes.

Joel Sternfeld es un fotógrafo americano que empezó trabajando en 1970 con película a color, con una cámara de 8x10 pulgadas, trabaja en gran formato con figuras humanas ubicadas en paisajes americanos tanto urbanos como rurales y éstas suelen ser pequeñas en comparación con el espacio que las envuelven. Los colores que predominan en sus imágenes son los tonos pasteles o colores sombríos, por lo que suele trabajar con la luz de la mañana o de la tarde.

Las fotografías de Joel encierran elementos enigmáticos y extraños (otros fotógrafos americanos que juegan con estos elementos son Gregory Crewdson y Jeff Wall, de los que hablaré en otro post), una expresión, un gesto, una mirada, una disposición en el espacio o una casualidad efímera son los ingredientes de sus fotografías.

Una de sus célebres fotografías es "McLean, Virginia, December, 1978" en la que Joel nos presenta un escenario en el que podemos ver un puesto de calabazas y al fondo una casa en llamas en la cual un coche de bomberos intenta extinguirlas. Apréciese la relación pictórica entre el color de la llamarada y el color de las calabazas regadas desde el primer plano hasta el medio plano de la escena.

McLean, Virginia, December, 1978.

Sternfeld "exige" al espectador que se fije en los pequeños detalles , que entremos en la imagen y dialoguemos con ella. El impacto de sus fotografías no reside sino en esos pequeños detalles siniestros y familiares a la vez (de ahí su trabajo con el gran formato). Busca el llamado "tableaux" que se practicaba en el teatro francés del siglo XVIII, la idea del "instante perfecto" en la que los actores en escena formaban una imagen claramente compuesta, momento en el que se quedaban congelados y mantenían la postura hasta la bajada del telón.

Las escenas que nos ofrece Joel nos transmiten la sensación de que ocurren cosas, cosas que ya han pasado o están a punto de suceder, interesándose por aquellos entornos "a mitad de", es decir, pueblos americanos de las afueras, al lado de la orilla de la carretera las zonas intermedias.

Dejo algunas fotografías de su producción y enlaces:

Domestic Workers Waiting for the Bus, Atlanta, Georgia, April, 1983

Exhausted Renegade Elephant, Woodland, Washington, 1982

Metro Bus Shelter, 7th Street, SouthWest, Washington D.C, 1995

http://www.luhringaugustine.com/index.php?mode=artists&object_id=67

http://www.getty.edu/art/gettyguide/artMakerDetails?maker=3902

http://www.mocp.org/collections/permanent/sternfeld_joel.php

http://www.elangelcaido.org/fotomes/200610/joelsternfeld.pdf

http://www.luhringaugustine.com/

Entrevista a Marina Abramovic

2009-02-11T16:03:00.000-08:00

Para completar el post que hace unos días publiqué sobre la artista Marina Abramovic, para aquellos a los que les haya interesado, dejo una entrevista (no pude conseguirla subtitulada, así que para los que dominen el inglés les irá perfecto, y a los que sólo nos defendemos se puede intentar más o menos seguir). Creo que no tiene desperdicio escuchar sus ideas, pues creo que son muy profundas, especiales e inusuales.

Hacer visible lo invisible...

2009-02-11T13:23:00.000-08:00

Hoy rebuscando he querido colgar un pequeño fragmento del proyecto teórico que realicé para el Proyecto Final de Carrera, el título es "Ficción, Drama y Tragedia de lo Cotidiano" y lo estructuré en cinco bloques basados en investigaciones y reflexiones en torno a mis "preocupaciones" artísticas:

- La Narración :
La narración como discurso en las estrategias artísticas contemporáneas.
La fotografía y el vídeo, creadores de nuevas realidades.
Lo inacabado y ausente.
Narración en la pintura tardomedieval y flamenca.

- La Violencia:
Representaciones de la violencia en la Historia del Arte.
La violencia en los discursos artísticos contemporáneos, algunos autores.
Lo violento en lo ausente, lo silencioso y siniestro.

- Ficción, Drama y Tragedia de lo Cotidiano:
Reflexiones e intereses por una politica de la ficción.
Breve aproximación a la obra de Juliao Sarmento.
Relexión en torno al lenguaje cinematográfico.
En torno a lo cotidiano.

- Entropía de lo construído y el retorno de lo orgánico:
Ruina y memoria.
Propuestas artísticas contemporáneas.
Construir y habitar.
"Espacios indiferentes".

- Fotografía y Memoria
Reflexiones en torno a la fotografía a través de Susan Sontag.
Memoria: un acercamiento a la obra de Christian Boltanski.

"Mi intención no es narrar historias claras, sino que el espectador adopte el papel de “actor”, protagonista o secundario, pero al fin y al cabo participante, colaborador y constructor de las mismas. En las series intento colocar una señal que sugiera alguna historia que deba ser continuada.
Pienso en la fotografía como una herramienta que permite la captación de pequeños mundos, pequeñas parcelas de un mundo mayor que por sí mismas generan otros mundos.

En la fotografía y la ficción encontramos lo inquietante, y apropiándonos de ellas transformamos la realidad, pues la fotografía tiene un impacto más brutal que la pintura precisamente por su inevitable alusión a la realidad, a la vez que al captar instantes inmóviles en el tiempo provoca que imaginemos el antes y el después de ese instante, por lo que el enigma se mantiene. María Zárraga se cuestiona “si volver a la realidad, pese al artificio, sigue siendo más disturbante que la realidad manipulada para parecer real”. Algo sucede, pero qué va a suceder a continuación no se sabe.

Al igual que María Zárraga, busco esa frontera o disolución entre realidad y ficción que pretendo encontrar predisponiendo en escena personajes anónimos en un contexto determinado. Me parece interesante esta relación de individuo-contexto.

A la hora de construir mis historias voy a un lugar y anoto las posibles acciones que podrían suceder allí. Parece algo sencillo, banal y fruto del azar, pero son las mismas inquietudes y preocupaciones las que sustentan todas las piezas. Es el proceso y la mirada el que construye la trama, el guión es el escenario, el contexto en el que trabajo.

Me identifico con una frase de Zárraga en la que comenta que “el artista trabaja con elementos intangibles como la intuición, la capacidad de observación y percepción desarrollada en el entorno”. Creo que el trabajo del artista se basa fundamentalmente en afirmar mundos que no se ven en éste, en hacer visible lo invisible.

Cuando pienso en mi recorrido a lo largo de la carrera siento que todo lo que yo quería contar se ha hecho en parte realidad gracias al medio fotográfico. No he cursado ninguna asignatura de fotografía en toda la carrera, me interesaban las cualidades de la escultura, su imposición en el espacio, su capacidad para generar comportamientos, su multiplicidad de lenguajes, pero de alguna manera, no conseguía encontrar una vía que se adecuase a las intenciones que pretendía generar, desarrollar. En los últimos años de la carrera comencé a explorar con la fotografía, que finalmente me brindó la oportunidad de construir realidades, secuencias, narraciones, historias y los juegos visuales con los que ahora trabajo."

Aquí dejo., para a los que les interese, enlaces a la obra de María Zárraga, Susan Sontag y Christian Boltansky:

http://www.artszin.net/vol1/zarraga.html

http://www.christianboltanski.net/

http://uoc.carminandres.com/05estetica/artistas/boltanski-christian.html

http://www.susansontag.com/

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/sontag.htm

Otro año sin ARCO...

2009-02-10T14:17:00.000-08:00

Esta semana se celebra en Madrid, un año más, uno de los eventos más importantes a lo que en arte se refiere en España, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (ARCO 2009).

Lo cierto es que sólo me ha sido posible acudir una vez (de eso hará seis años) porque la feria siempre se celebra en el mes de Febrero, justo cuando tenía los exámenes y entregas de trabajos en la facultad, quedándome siempre con las ganas, y eso que la propia facultad ofrecía un servicio de autobuses a Madrid especialmente para acudir al evento.

Este año por motivos varios, no podré acudir tampoco, así que sólo me quedará pedirle a una amiga (mi ex-profesora de volumen de Bachillerato) que me traiga los catálogos para al menos disfrutar en papel de las 250 galerías, artistas y obras participantes de diversos países (Reino Unido, Italia, Dinamarca, Alemania, Países Bajos, Austria, Bélgica, Suiza, Irán, México, Cuba, Portugal, China, Hungría, Colombia y un largo etcétera).
El evento abre al público este Viernes 13 de Febrero en el recinto ferial (IFEMA), ocupa los pabellones 6, 8 y 10, siendo la entrada por las puerta Norte y se puede disfrutar de una gran diversidad en cuanto a soportes artísticos (pinturas, esculturas, grabados, dibujos, "new medias", fotografía, vídeos, etc.), así como de una variedad histórica que aborda desde las vanguardias históricas y los clásicos contemporáneos hasta el arte más actual.

Cada año ARCO acoje a un país invitado, que este año es India con 13 galerías y 50 artistas que exponen lo último del arte contemporáneo indio.

Aunque principalmente la feria está concebida y estructurada pensando en los coleccionistas y todos los personajes que conforman el mercado del arte actual y las entradas para el público en general son algo caras, es un "orgasmo visual" para todos aquellos que gozamos con esto del arte y una oportunidad para "ponerse al día" con todo lo que "preocupan" a los artistas emergentes, así como la diversidad y riqueza de medios con los que trabajan.

Me quedaré sin ARCO una vez más, sintiéndolo muchísimo, pero invito a ir y doy un único consejo, llévense aspirinas porque después de ese gran chute visual acabaréis locos de la cabeza, viendo colores y formas por todos lados debido a una sobredosis de información. xDD

El artista Enrique Marty junto a sus obras

Visitantes de ARCO 2008

La fotografía, pantalla o envoltorio del mundo

2009-02-04T08:21:00.000-08:00

“Si pintura y fotografía nos colocan ambas a la vez y la imagen, la pintura da prioridad más bien a la primera de esas relaciones, mientras que la fotografía obliga absolutamente a su espectador a entrar .”

Con esta frase de Tisseron me gustaría resaltar lo que tiene de especial lo fotográfico, lo que le diferencia del resto de las artes visuales. Es esa capacidad que tiene la fotografía de mostrar pequeños fragmentos de la realidad, de mostrar lo que materialmente existe, lo que “podría haber sido” o lo que “podría sucedernos a nosotros”, el decirnos “esto podría pasarme a mí”.
La fotografía nos permite, más que ninguna otra herramienta generadora de imagen, meternos por unos instantes en la piel del que estuvo allí, en la piel del voyeur.
La distinción que se establece entre lo visto usual y lo uno visible, diferencia bien la idea de ver y de mirar. Lo visto usual es lo que vemos mientras que lo uno visible es lo que miramos.

Me gusta la frase en la cual el autor (del texto en el que baso esta reflexión) dice que “antes de usar la película sensible de su máquina para recibir la imagen del mundo, ¡el propio fotógrafo es ésa superficie impresionada!”. Hago hincapié en la cuidada definición de , pues no es lo mismo que .
Cuando Tisseron habla de “recibir la imagen del mundo” se refiere a la esencia misma del acto fotográfico. Al fotografiar, más que captar, encerrar o registrar la realidad, antes de todo eso, nos enfrentamos a ella mediante la mirada, mediante la observación.

En el texto se aprecia una reflexión muy profunda de lo fotográfico. Al hablarse de captar la esencia de un objeto o persona, y no sólo su presencia, se habla de un aspecto místico, casi religioso o divino de la fotografía. Me interesa mucho este tipo de reflexiones profundas en torno a algo que parece tan evidente como una fotografía.
Me refiero a cuando Tisseron habla de que “el deseo que anima toda creación de imagen fotográfica es sustituir la vida tal como es por una imagen de la vida tal como la deseamos”.

Verdaderamente creo que en toda creación fotográfica (incluso en la documental) hay un deseo por parte del fotógrafo de cómo quiere mostrar esa pequeña parte del mundo que desea recibir (ya no hablaré más de captar o registrar). Siempre nuestra imagen de una fotografía estará condicionada por cómo ha querido el fotógrafo que la rercibamos.

Me interesa mucho la idea que se desarrolla en torno a los álbumes de familia. Normalmente son fotografías que conservamos celosamente, como si no quisiéramos perder de vista de dónde venimos, de cual es nuestro origen, es como asegurarnos o incluso justificar nuestra existencia: yo estoy aquí porque ellos también estuvieron.

Personalmente estoy trabajando en un proyecto con fotografías antiguas de familia. Son fotografías de familiares que ni tan siquiera conozco. Hay amigos de familia, primos que aun existen pero que no conozco u otros que ya no están. Le tengo especial cariño a una en la que aparece un grupo de niños en torno a una vieja mesa con refrescos, una tarta, unos globos colgados en el techo y al fondo una pared mugrienta. Me atrae las miradas y posiciones de esos niños y el "Puctum" (del que hablaba Roland Barthes) que juega una muchacha que casi se sale del encuadre.

Fotografía original de algunos de mis familiares

A partir de esta fotografía comencé realizando una fotocopia a la cual le realicé otra fotocopia y así sucesivamente, hasta que al final la imagen se deforma, se despersonalizan los rostros, todo se hace aún más plano. He matado una fotografía, la he hecho desaparecer, al igual que los sujetos de la misma lo hicieron en su día. Es quizás uno de mis trabajos más personales y de los que me cuesta más desprenderme.

Páginas del libro de fotocopias que realicé ya con visibles pérdidas de información

Otro aspecto que me ha llamado la atención de este texto es el proceso de elección al que se ve sometido un fotógrafo para decidir qué es mostrable y qué no lo es. Un artista se pasa la vida decidiendo, en el acto creador todo se basa en decisiones que darán una forma determinada a una obra. Fotografiar es también decidir que fotografiamos y por qué lo hacemos y qué queremos mostrar de nosotros, qué queremos decir de nosotros a través de la fotografía. Me gusta esa idea de autoconocimiento a través de lo que plasmamos y deseamos mostrar a la otredad.

Señalaré un último aspecto que me resulta interesante. La capacidad de una fotografía de transportarnos en el tiempo, de recordar olores, sabores, sensaciones o estímulos. La fotografía se convierte así en pintura, escultura, música, danza…La fotografía es mucho más que un fragmento visual de la realidad, es un fragmento real que cobra vida a través del recuerdo.

Nazaret Umpiérrez del Río

La doble prohibición del tocar, condición de superación del Yo-piel

2009-02-02T16:28:00.000-08:00

Aquí dejo una reflexión que realicé en la asignatura de "Arteterapia" del pasado año en la facultad en torno a un texto del libro "El yo-piel" en la cual abordo algunos aspectos que suelo introducir en el imaginario conceptual de mis proyectos:

"Me interesa el estudio del cuerpo, de su construcción y sobre todo de sus lenguajes. El cuerpo es lenguaje, mediante éste nos comunicamos con el otro y con nosotros mismos.
Me parece digno de estudio todo lo relacionado con la disciplina que le atribuimos al cuerpo. Somos seres conscientes de un yo corporal, y por lo mismo adquirimos unos modos de comportamientos para disciplinarlos, para domesticarlo con nuestro afán de controlarlo todo.
La visión que del tocar tenemos depende de la cultura de la cual provenimos (una vez más la afirmación de que el cuerpo es una construcción social y cultural).
Son fundamentalmente el desarrollo de las religiones las que mediante sus principios instruyen el uso que podemos dar al cuerpo.
Desde pequeños nos advierten de que “esto” no se toca, “esto” no se hace, “esto” no se come, “esto” no se coge. Ello es cierto que nos previenen de muchos peligros para lo intocable, es decir, el cuerpo, pero a la vez constituyen unas normas que dependiendo de la cultura de la que provenga y desde la cual se mire permitirán un mayor o menor desarrollo personal (una búsqueda del Yo mismo). Me refiero a la represión en la que se encuentran por ejemplo las mujeres de algunos países árabes. Son cuerpos ocultados hasta el punto de no ser mostrados en público ni tan siquiera los ojos. Cierto es que estas mujeres puedan tener asimilado y por lo tanto nunca hayan sido objetos de cuestionamientos, las normas que se le imponen de generación en generación, pero el encuentro consigo mismas nunca será un encuentro personal, sino fundamentalmente colectivo, pues no pueden acceder a un desarrollo de una actividad pensante y creadora a la que los varones de estos mismos países se permiten posibilitando un desarrollo de lo individual.
Se que no hace falta que me vaya muy lejos, pues en la ideología cristiana esto se ha producido de una manera similar pero no es la cuestión de esta reflexión, pues es precisamente la religión cristiana la que hace hincapié en que encontraremos la verdad a través de una práctica espiritual, nunca física o carnal. He aquí de nuevo la negación del cuerpo.

Me parece interesante la conclusión a la que se llega en el texto cuando se dice que debido a la prohibición del tocar, no se establece bien las diferencias entre violencia y sexualidad.
Pongamos por ejemplo el tema del sadomasoquismo. En una relación de esta naturaleza muchas veces no se entiende que se trata (normalmente) de un disfrute carnal de mutuo acuerdo, esto es que ninguno de sus participantes se verá obligado a hacer (o dejarse hacer) nada que no quiera, y que no es una práctica que se base en la violencia (no existe tal violencia) sólo existe el placer a través del placer-dolor, pero nunca se trata de un dolor propio de una agresión producida involuntariamente.

También me resulta interesante la idea de que a través de la prohibición se despiertan los deseos del conocer y de experimentar lo que se prohíbe.
Creo que cuando se intenta proteger a alguien de algo externo no se le debe de prohibir (pues eso despierta la idea de que si se prohíbe algo es porque es algo intenso y nuevo para nosotros) sino de aconsejar (esto creo que despierta una idea de que esto se me aconseja porque esta persona ya lo ha vivido y para que no debe de ser agradable o beneficioso para nosotros).

El relato de Varley es una prueba de cómo el cuerpo impone su naturaleza a expensas del uso cultural que nosotros le dotamos. Es un ejemplo de las capacidades que tiene el cuerpo de crear lenguaje. Damos todo por hecho, el lenguaje sonoro y verbal, el lenguaje visual, pero no damos cabida debido a cuestiones morales a el lenguaje táctil.
Recuerdo un ejercicio que realicé en primero de carrera en la asignatura de escultura. Se trataba de que se le ofrecía una bolsa opaca a cada alumno con un objeto en su interior el cual no se ve en ningún momento. A partir únicamente de un conocimiento táctil con el objeto debíamos reproducir el objeto a través del modelado en arcilla. Se apreciaban las esculturas que habían sido fruto de una representación debido a una adivinación del objeto (si lo había sido) y las que habían sido construidas mediante la pura experiencia táctil con un objeto que en ningún momento (al no haber sido reconocido) fue fruto de ninguna representación mental, pues éstas constituían una forma más amorfa, más ambigua, más carnal.

Somos seres fundamentalmente visuales (ahora más que nunca), y no es sino mediante la observación de casos de minusvalía (los sordo-ciegos de Varley) por la cual adquirimos consciencia de las capacidades de lenguaje del resto de nuestros sentidos."

Nazaret Umpiérrez del Rio

Los amantes

2009-02-02T15:35:00.000-08:00

Rebuscando entre algunos de mis trabajos encontré uno al que le tengo especial cariño, se trata de una pieza conformada por dos jeringuillas (metáfora de la idea del cuerpo como una "entidad fluída") y una manguera que las une (la mezcla del "yo" con el "otro") y que realicé hace un año durante mi formación en la facultad.

Lo que más me gusta de la pieza es sin duda el hecho de que el líquido de ambas jeringas nunca llegan a unirse debido a que no existe salida de aire...por lo que los líquidos no llegan a mezclarse sino que en todo caso una de las dos partes acaba por reventar de alguna forma...curiosa metáfora en torno a las relaciones personales...

Ya he comentado en anteriores entradas que me interesa muchísimo el cuerpo, sus complejidades y sobre todo cómo nuestro cuerpo es transformado y disfrazado por la cultura y la sociedad así como la delgada línea que separa conceptos (que parecen tan claros) como son el "yo", "el otro" o "el ello".

Simplemente me apetecía compartir esta pieza con ustedes.

"Los amantes"
Técnica mixta
2008

"Mantener la unidad del cuerpo y el alma = seguir vivo"

2009-02-02T14:27:00.000-08:00

Hoy regreso con otra artista, muy admirada por mi parte y una de las máximas potenciadoras de los orígenes de la performance.

Marina Abramovic es una artista de origen yugoslava nacida en 1946 que vive y trabaja en Nueva York. En sus primeros años (desde 1976) trabajaba con su entonces pareja Ulay, con el que realizó sus primeras experimentaciones con el propio cuerpo como material. En 1977 realizaron "Breathing hin/Breathing out" (Inspiración/Expiración), una performance en la que ambos artistas intercambiaron sus respiraciones (después de taponar sus fosas nasales) hasta que se agotó el oxígeno.
"Interruption in Space" (Interrupción espacial) de 1977 los artistas corrían hacia una pared con la que se estampaban hasta quedar exhaustos.

"Breathing in/Breathing out", 1977

La idea de estos trabajos (y en la que prácticamente se basa toda la carrera de Abramovic) es la de someter al cuerpo a estados físicos extremos y experiementar sus límites como tal.
La artista presta mucha atención a la intervención y observación del público como se demuestra en "Incision" (Incisión) de 1978, en la que la artista ofreció literalmente su cuerpo en la galería para ser sometido con una serie de objetos que la artista había dispuesto en una mesa (entre ellos una pistola cargada) al antojo del público.

En 1988 la pareja formada por Marina y Ulay encontró su final que fue simbolizado con una larga performance en la cual cada uno de ellos se dispuso en los puntos contrarios de la Gran Muralla China, teniendo que recorrerla durante 90 días hasta encontrase. La pieza se llamaba "The lovers" (Los amantes).

"The lovers", 1988

Tras su separación con el artista, Abramovic continuó experimentando y desarrollando sus ideas en torno al cuerpo, adoptando una mayor complejidad conceptual en torno al mismo, así como una preocupación e inquietud hacia sus orígenes yugoslavos, incorporando elementos biográficos a sus obras.

Un ejemplo de ello es una de sus últimas obras, "Balkan Baroque", premiado en la Bienal de Venecia en la cual la artista se sentó durante más de cuatro días en el centro de una instalación mientras limpiaba 1.500 huesos de res cantando canciones de su infancia, a la vez que tres videoproyectores emitían imágenes de ella con sus padres.

"Balkan Baroque", 1997

Su última obra "The Biography", hace una especie de retrospectiva de anteriores performances y elementos biográficos en la que pretende recrearse a sí misma.

Para saber más de Marina Abramovic dejo por aquí algunos enlaces de vídeo de sus performances y de algunas páginas:

http://www.youtube.com/watch?v=pno1gCrbeVk

http://www.youtube.com/watch?v=mUz5rnxQmfI&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=zOuzzzltSOA&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=h9-HVwEbdCo&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=PD41IRukna8&feature=related

http://es.wikipedia.org/wiki/Marina_Abramovi%C4%87

http://performancelogia.blogspot.com/2006/11/marina-abramovic.html

http://www.medienkunstnetz.de/artist/abramovic+ulay/biography/

http://en.wordpress.com/tag/marina-abramovic/

"Imponderabilia",1977

The Children´s hour (La calumnia)

2009-02-01T08:10:00.000-08:00

Anoche fue la clausura de la séptima muestra de cine gay, lésbico, bisexual y transexual de Fuerteventura. Lo cierto que es que fue a la única sesión que fui (porque pensaba que comenzaría la próxima semana) y me alegro de haber ido porque la película que proyectaron no tenía desperdicio.
Resulta que hace un tiempo vi en internet un fragmento de una película en banco y negro en la que actuaba Audrey Hepburn y Shirley McLaine, la escena en sí concurría en un salón de una vivienda y el personaje de Shirley se declaraba sentimentalmente a Audrey.
Hasta ahí no supe nada más, pues no sabía el título de la película y en ese momento tampoco reconocía a Shirley McLaine.

Pues cual fue mi sorpresa que ayer proyectaron esta película, que por lo que parece les costó conseguir a la organización y que al fin la pudieron traer.
La película se llama "The Children´s hour" (La calumnia traducido al español), es de 1962 de origen estadounidense y su director es William Wyler.

La sipnosis que aparece en el folleto informativo que entregó la muestra dice así:

"Karen (Hepburn) y Martha (McLaine) son las directoras de una exclusiva escuela para niñas. Una alumna maliciosa y vengativa, despechada por un castigo que ha recibido, oye por casualidad un comentario y lo utiliza, distorsionándolo, para acusar a sus profesoras de una conducta reprobable. Los escandalosos rumores se extienden velozmente por la comunidad escolar, con repercusiones inmediatas, devastadoras y trágicas".

Lo primero que pensé cuando comenzaba la película es que un tema tan delicado para la época (como era la homosexualidad) lo fueran a tratar de manera insinuada, es decir, que el público más audaz tuviera que leer entre líneas para encontrar el verdadero concepto de la película, pero cual fue mi sorpresa que durante todo el film el tema se trató de manera directa (por supuesto no hablaban de "lesbianismo" sino de "sentimientos antinaturales"), y la escena en la cual Martha se declara a Karen es desgarradora, sencillamente me encantó.

Buscando por la red, en foros y opiniones se critica un poco el papel de Audrey por una carencia de intensidad de su personaje y lo cierto es que se alaba más el papel de su compañera Shirley, opinión que comparto, pues esta última hace una interpretación brillante que deja el corazón en un puño.

Aunque Audrey Hepburn es una artista de renombre y todas sus películas son muy conocidas, "La calumnia" es una de las menos difundidas o reconocidas, y la verdad es que la profundidad conceptual de la película y el guión son geniales.

La recomiendo!

Aquí dejo la ficha técnica y algunos fotogramas del film:

Título original: The Children´s Hour
AÑO: 1962
DURACIÓN: 107 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: William Wyler
GUIÓN: Lillian Hellman
MÚSICA: Alex North
FOTOGRAFÍA: Franz Planer
REPARTO: Audrey Hepburn, Shirley McLain, James Garner, Miriam Hopkins, Fray Bainter, Karen Balkin.
PRODUCTORA: United Artist

Rectifico...

2009-01-30T06:57:00.000-08:00

Quisiera aclarar algo respecto al post "Fisheye" que publiqué ayer.

Resulta que la última imagen del post no pertenece a la distorsión provocada por una lente fisheye sino de un efecto producido en Photoshop a partir de una imagen convencional.

Esto me lo ha aclarado mi amigo Nano (lo podéis leer en los comentarios de dicho post) y en su blog podréis leer acerca de este efecto (http://espacioaleatorio.blogsopot.com) con ejemplo incluído.

Disculpen el error que espero se haya aclarado! xD

Fisheye

2009-01-29T17:50:00.001-08:00

Hará una semana más o menos que me compre (vía internet) una pequeña cámara analógica "fisheye" (lente "ojo de pez") y después de haber llegado a pensar que me habían timado (porque de 24/48 horas que me decían que me la entregarían a mi casa me llegó en una semana) por fin la recibí estos días.

El interés me vino porque en Nueva York tenía un amigo español al que le ví esa pequeñita cámara y me encantó por lo bien que se presta debido a su reducido tamaño y peso con la cual yo misma le retraté junto a Woddy Allen. Aún espero que me envíe un día la foto por la curiosidad que tengo de cómo saldría...seguramente muy graciosa y curiosa con la distorsión que hace esta lente (tiene una visión de 170º).

Supongo que todos sabrán cómo es la típica fotografía "Fisheye" pero aun así dejo algunas por aquí que he encontrado por la red...ya colgaré algunas de las que haga con mi nueva "compañera".

Lo que Woody Allen realmente quería ser....

2009-01-27T16:45:00.000-08:00

Dejo el link de una entrevista de una televisión inglesa realizada en 1970 al polifacético neoyorkino en el cual "confiesa" a lo que había soñado dedicarse cuando era un chaval...xD

http://www.youtube.com/watch?v=G3i8VteAvaQ&feature=PlayList&p=5C8404CF24B02EDA&playnext=1&index=34

Janet Cardiff

2009-01-27T15:54:00.001-08:00

Hoy vengo con la artista Janet Cardiff, de origen canadiense que vive y trabaja en Berlín.
Trabaja fundamentalmente con la imagen y el sonido, las herramientas con las que trabaja son tan simples como un Walkman o un Ipod que generalmente utilizan los espectadores para sumergirse y recorrer la obra de Janet.

En "The paradise Institute" (2001) construyó un pequeño teatro con una pantalla y asientos en la cual se proyectaba una película con banda sonora binaural (sonido grabado y reproducido en dos canales) que se podía escuchar a través de auriculares, convergiendo así el espacio fílmico, el teatral y la experiencia vivida a tiempo real.

Esta artista me interesa fundamentalemente por el uso que hace de la estructura narrativa como discurso, el uso que hace de distintas realidades para dar salida a otras nuevas, así como la importancia que otorga a la experiencia, a la vivencia en tiempo real de sus obras.

Dejo enlaces e imágenes de la artista y de algunas obras:

http://www.cardiffmiller.com/

http://www.artfocus.com/JanetCardiff.html

http://www.youtube.com/watch?v=U6nCFy_81n8

http://www.youtube.com/watch?v=XeGVGEBNYks&feature=related

Diane Arbus

2009-01-25T15:19:00.000-08:00

Me he propuesto ir dejando por aquí algunas imágenes, breves descripciones y enlaces de aquellos artistas y fotógrafos que me resultan interesantes (intentaré que esto también sirva de pequeña ayuda o complemento de la antigua entrada "Mujeres artistas").

Empiezo con Diane Arbus, fotógrafa nacida en Nueva York en 1923 y que seguramente muchos conoceréis (se realizó hace unos años una película sobre ella, protagonizada por Nicole Kidman y titulada "Retrato de una obsesión").
Esta fotógrafa es conocida sobre todo por sus imágenes de gente con malformaciones, enanos, prostitutas, nudistas, seres curiosos, poco comunes y peculiares, en definitiva, personas que sufrían algún tipo de marginación física.

"Los monstruos eran una cuestión que yo fotografié mucho. Fue una de los primeros motivos que fotografié y poseía un tipo de excitación terrorífica para mí. Yo empecé como a quererlos. Todavía hoy aprecio y quiero a mucho de ellos. Yo realmente no quiero aseverar que ellos son en si mis amigos, sino más bien que ellos me hicieron sentir una mezcla de vergüenza y temor. Hay una cantidad de leyenda sobre los monstruos. Todo para ellos sucede como en un cuento de hadas. Los monstruos nacieron con su trauma. Ellos ya han pasado su prueba en la vida. Ellos son aristócratas".

Para saber más sobre Diane Arbus:

http://www.artphotogallery.org/02/artphotogallery/photographers/diane_arbus_01.html

http://www.entretodas.net/2007/05/10/diane-arbus-cazadora-de-la-belleza-convulsiva-por-carlos-yusti/

http://www.entretodas.net/2007/05/04/diane-arbus-la-pelicula-%C2%ABretrato-de-una-obsesion%C2%BB/

http://www.radiomontaje.com.ar/fotografos/dianearbus.htm

Algo extraño está a punto de suceder...

2009-01-25T13:04:00.001-08:00

"Algo extraño está a punto de suceder" es el trabajo que presenté para mi proyecto final de carrera.
Como ya he mencionado anteriormente, mi interés gira en torno a las estructuras narrativas, en ocasiones a modo de fotogramas de película y como siempre, con un interés hacia situaciones cotidianas y familiares envueltas en un halo de siniestralidad y extrañeza, dispuestas a modo de historias sin definir que deben ser completadas por la experiencia. Los títulos sólo cumplen la función de sugerir tramas.

"Algo extraño está a punto de suceder"
Fotografía digital sobre foam
250x60 cm y 200x35 cm

"Entonces llegó ella" de la serie "Algo extraño está a punto de suceder"

"Ser-vicio" de la serie "Algo extraño está a punto de suceder"

"Quizás merezca la pena intentarlo" de la serie "Algo extraño está a punto de suceder"

"Room" de la serie "Algo extraño está a punto de suceder"

Fotografía de 100 metros de largo!

2009-01-22T14:31:00.000-08:00

Dejo un enlace de una fotografía de Simon Hogsberg que mide nada más y nada menos que 100 metros de largo por 78 centímetros!
La fotografía llevó 20 días para hacerla y se tomó el mismo punto de vista para todas las imágenes (que luego fueron ensambladas en una sola imagen) en la cual aparecen 178 personas de la calle (la mayoría sin darse cuenta de que eran fotografiadas) de la ciudad alemana de Berlín.

http://www.simonhoegsberg.com/we_are_all_gonna_die/slider.html

Trabajar en Londres!?

2009-01-22T13:14:00.000-08:00

Recién licenciada, ahorrando para un Master o curso de fotografía...pero mientras qué?

Hoy revisando el correo resulta que tenía una oferta de prácticas de empresa de una beca ARGO en la cual se me comunicaba que había sido preseleccionada para un trabajo de cuatro meses en el centro de Londres en una empresa de actividades recreativas, culturales y deportivas con incorporación en el mes de Febrero de este año.
La práctica consiste en trabajar con el programa Adobe Photoshop:

Scanning secondary sources
colorising using Photoshop
Experience with photoshop

La ayuda económica consiste en unos mil euros el primer mes y en unos seicientos el resto de los meses (cada mes). Teniendo en cuenta que Londres es caro (me imagino el centro) la ayuda no cubre demasiado pero bueno, la oportunidad de vivir y trabajar 4 meses allí no es para desperdiciarla y teniendo en cuenta que ya llevo casi tres meses en mi isla y ya estoy con el mono de salir de aquí, sería lo mejor que me podría ocurrir ahora mismo!.

Rapidamente realicé mi CV en inglés y lo envié.

Si alguien que se pase por mi perfil ha disfrutado de una beca ARGO agradecería que me contara algo respecto a su experiencia, si la ayuda de la beca realmente "ayuda" o las dificultades de econtrar alojamiento etc.

En fin, dudo que me seleccionen pero mantendré la ilusión hasta entonces!!